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People Maratón de superhéroes de Marvel llegará a Cinépolis

La cadena cinematográfica Cinépolis, para complacer a los amantes de los cómics, proyectará un maratón fílmico de los superhéroes de Marvel.Con motivo del estreno de "Avengers: La era de Ultrón" , la empresa exhibirá las películas "Los vengadores" , "Iron Man 3" , "Thor: Un mundo oscuro" y "Capitán América y el soldado del invierno" .Las cintas se presentarán los días 25 y 26 de abril en diversos complejos de la Ciudad de México, así como en varios cines de la República Mexicana.Mediante un comunicado se informó que las entradas para ver las películas tendrán un precio normal por función.Cabe resaltar que este jueves llegará a la pantalla grande "Avengers: La era de Ultrón" , en la que "Iron Man" , "Capitán América" , "Thor" , "Hulk" , "Black Widow" y "Hawkeye" deberán unirse una vez más para vencer al villano "Ultrón" . rad 

 

El Universal
24/04
2 Puntos

Al Pacino "El arte de no ser leyenda"

Sé que es complicado para un hijo crecer sin la atención de sus padres (Pacino ha dado un requiebro en su respuesta: está hablando de sí mismo, de Alfredo James, hijo de Salvatore Pacino y Rose Gerardi, que se divorciaron siendo su vástago casi un bebé). Pacino vuelve allí de vez en cuando a dar charlas, comprometido con el Método, convertido él mismo en leyenda. LOS ÁNGELES.- Cuando el puñado de periodistas entra en la suite, Al Pacino ya está ahí, parafraseando al dinosaurio de Monterroso.

LOS ÁNGELES.- Cuando el puñado de periodistas entra en la suite, Al Pacino ya está ahí, parafraseando al dinosaurio de Monterroso. Primero se escucha su voz, grave, gutural, que gorjea cantarina; después se ven unas opacas gafas de sol. Pelo cardado, camisa negra abierta casi hasta el ombligo, mechones canosos que asoman a borbotones desde el pecho, muñequera, coca-cola y agua. Es decir, aspecto de rolling stone, hermano carnal de Jagger, Wood y Richards. Pacino hombre es igual que el Pacino leyenda. Los cinéfilos babean: el mito supera el examen.

Festival de Venecia. Finales de agosto. La noche ha sido larga, como atestiguan las fotos en la Red. El actor que explicó en dos pinceladas el capitalismo salvaje (“Mi padre le hizo una oferta que no pudo rechazar”) está feliz. Ha presentado dos películas. Una ha sido recibido con críticas divididas: en “Manglehorn” encarna a un cerrajero encallado en su solitaria existencia; la presencia de Pacino hace imposible que alguien se crea el personaje. Pero en la otra... en la otra encarna a un actor, leyenda del teatro, fanático de Shakespeare, grande del cine, que ha perdido su talento para la interpretación y por tanto roza en su depresión el suicidio. Hasta que se lía con una joven lesbiana (a la que da vida Greta Gerwig) y empieza a cabalgar por una surrealista montaña rusa vital. “The Humbling” se rodó en 20 días en la casa de su director, otro gran veterano, Barry Levinson, y se basa, aunque muy expurgada por el guionista y actor Buck Henry, en la novela “La Humillación”, de Philip Roth. “Tanto Barry como yo nos interesamos por los derechos del libro y acabamos por cruzar nuestros pasos. La filmamos al estilo guerrilla: en 20 días, en su casa, en unas jornadas en otoño y otras en invierno. Sinceramente, es que queríamos hacer la película”.

Pacino se presenta ante los periodistas: “Solo entiendo las charlas hablando con los ojos, como la gente normal”. Entran oleadas de luz entre las celosías seudoárabes de los inmensos ventanales del hotel veneciano. Ya hemos dicho que la noche fue larga. El actor se quita las gafas de sol, las dobla y las deposita con delicadeza encima de la mesa. Parpadea varias veces, pone morros, y se esconde de nuevo tras las gafas entre risas. “Hoy no es el día”. De repente, comienza a reflexionar sobre las relaciones paternofiliales, su carrera, el teatro, su aura de leyenda, sus hijos. La charla, prevista para 20 minutos, se alarga hasta la hora. Por dos veces una representante de la agencia de prensa internacional del filme intenta cortarle. A la primera, el neoyorquino, actor sin el que no se entendería el cine de los años setenta, responde: “Estoy calentando”. A la segunda, solo la taladra con la mirada. A sus espaldas, otro anciano, divertido ante el carajal que ha montado el intérprete con este retraso en el horario del festival, come fruta y queso. “Es un buen amigo. Llevamos juntos... Bueno, cada vez que yo diga algo y él sonría, sabrán que he mentido”. El viejo se parte. “¿Ven?”.

“Que todos seamos hijos, y muchos padres, no significa que seamos expertos en las relaciones paternofiliales”, arranca el actor, cuestionado por esa faceta de su personaje en “Manglehorn”. “Es más, cada uno hace lo que puede, y hay un tópico que hace que parejas rotas sigan unidas por el bien de sus hijos, por el espíritu familiar. Sé que es complicado para un hijo crecer sin la atención de sus padres (Pacino ha dado un requiebro en su respuesta: está hablando de sí mismo, de Alfredo James, hijo de Salvatore Pacino y Rose Gerardi, que se divorciaron siendo su vástago casi un bebé). Yo mismo no fui buen padre de Julia (su hija mayor, a la que tuvo con 49 años), y las cosas mejoraron con los gemelos (Anton y Olivia, que nacieron a sus 61). ¿Sabe lo que es un placer? Ver cómo van pasando los años en los tres. Es cierto que los pequeños han afectado directamente a mis ganas de trabajar, porque en realidad prefiero pasar el tiempo con ellos. Me mudé durante 11 años a Los Ángeles porque su madre (la actriz Beverly D’Angelo) vive allí. Han crecido con mi presencia, algo que no le di a Julia. Yo apenas conocí a mi padre, la dinámica familiar me la crearon mi madre y mis abuelos... Tengo recuerdos maravillosos, aunque a mí me costó aceptarme, no fui buen estudiante ?no hay más que ver mis notas?. Ahora espero que mis dos críos estén disfrutando de las dos casas, porque en cada una juegan a cosas que en la otra no pueden [se ríe]. He aprendido también a hablar mucho con su madre sobre ellos, para ver cómo avanzan...”

‘SOLO QUIERO SER ACTOR’

Cuando Pacino se hizo famoso, no le quedaba familia que él considerara cercana excepto su abuela. “Y a ella todo le parecía una locura. Por suerte a mi lado estaban mi mentor y profesor en el Actors Studio Charlie Laughton, y mi amigo Martin Bregman, que produjo cinco de mis mejores películas, enormes títulos. Martin es mucho más listo que yo y de eso me he beneficiado (Detrás se oye una risa. Bregman  es el hombre que come queso y fruta)”.

En el arranque de su carrera, en algún momento dijo que quería tener una gran familia: “Sí, fantaseaba con ello. Cómo me equivoqué”. ¿Y llegó a sospechar hasta dónde iba a llegar? “Si cuando era medio pandillero llego a intuirlo... Casi mejor por mi propia seguridad que ni me lo imaginara. Solo quería, y quiero ser actor”.

Al Pacino recuerda cómo cambió su vida cuando pasó de ser alguien denostado por los productores de “El Padrino” a una estrella mundial gracias a Michael Corleone. “Obviamente, fue radical. Pero hace cincuenta años, lo crean o no, vivíamos en un mundo diferente... Madre mía, hace ya medio siglo. En fin, la idea de fama era distinta, el apetito por el arte, también... Manejábamos distintos intereses, incluso vocabulario, al de las estrellas de hoy en día. Y así me siento aún”. Una periodista compara esa respuesta con una declaración parecida de Mick Jagger. “Ah, dios, me encanta Jagger, me encanta esa comparación. Supongo que tenemos espíritus parecidos surgidos de la misma época. Como él, me gusta el escenario. Creo que eso lo pagó mi hija Julia, porque cuando nació yo estaba muy comprometido con el teatro. Ahora ella es cineasta y tenemos grandes conversaciones. Entiendo por qué en los viejos tiempos los actores formaban sagas: viajaban con su familia de un lado a otro, algo muy práctico; heredaban y transmitían una tradición, y encima creaban algo superior, inmortal: un espectáculo. Mi hija en cambio tuvo que esperar”.

Él mismo es parte de una tradición, el Actors Studio. Pacino vuelve allí de vez en cuando a dar charlas, comprometido con el Método, convertido él mismo en leyenda. “No soy capaz hoy en día de definir lo que es una actuación del Método. Solo puedo apuntar que creo que el actor debe hacer un gran trabajo personal. ¿Yo, leyenda? Por favor, leyenda era Marlon Brando. Y claro, le imité cuando yo era joven. Luego llegaron los setenta, la aceleración de dos películas por año, los excesos, los olvidos provocados por esos excesos... Me refugié en el teatro para volver a la esencia de la actuación. Vale, cedo en que soy una personalidad conocida. Y contra ello no puedo batallar. Solo me queda el recurso de ser lo más ecléctico posible en mis elecciones laborales”.

En las tablas mantiene la llama. “El teatro se basa en la repetición. Y a mí esa repetición me provoca avaricia, ganas de volver a crear momentos mágicos. Las palabras ya están escritas, pero tú inventas sentimientos”.

El actor, Oscar por uno de sus trabajos más almibarados, “Scent of a Woman”, rehúsa reflexionar sobre su pasado. “Es que no puedo sacar conclusiones porque la vida es incontrolable. Un día te levantas con ganas de hacer un montón de cosas, otro te duele todo el cuerpo y recuerdas aquellas jornadas de tus tiempos de bebedor (risas)... Sé la edad que tengo, y que el mundo cambia a toda velocidad. Nadie es culpable de ello. Con los años sabes que te quedan dos cosas: tu imaginación y tus recuerdos. No estamos hablando de cine, lo siento, pero me gustaría entrar en esos aspectos psicológicos de la vida. Porque por mucho que algunos se la arroguen, nadie tiene la completa habilidad de entender las cosas, los acontecimientos, la vida. Y eso justo es lo que amo de la interpretación: ni todo es inteligible ni todo es asible”.

Eso sí, agradece a Dios, “todas las películas” que ha hecho. “Y las que no, pues ahí se quedaron. Por favor, no me hagan volver a hablar del pasado (risas). ¿Les he dicho ya que no recuerdo bien los setenta? (carcajadas). ¿Saben lo que me gusta? Cuando alguien viene, te saluda, soy amable y se va diciendo a un amigo: ‘Mira, pues es un tío agradable’”. 

¿Y que les diría a los jóvenes actores que quieren ser el nuevo Pacino? “Chicos, ahí tienen el guante”. 

el dato

Entre los proyectos que maneja Al Pacino está el trabajar por primera vez con Martin Scorsese en “The Irishman”.

Su película “The Humbling” fue dirigida por Barry Levinson.

La película está inspirada en la novela “La Humillación de Philip Roth, con un guion adaptado por Buck Henry.

Vanguardia
22/04
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People Agente 007: Los James Bond del cine

La primera película del agente 007 se estrenó en 1962 y fue Sean Connery quien interpretó al enigmático personaje. El segundo actor que interpretó al agente 007 en la pantalla grande fue David Nieven, quien en 1967 protagonizó el filme . Conoce aquí a los Bonds del cine.El primer James BondSean Connery interpretó al primer James Bond, y para muchos al mejor. (2012).En la actualidad Craig se encuentra grabando su tercer película como Bond, se trata de .

Saltillo.- En ?Spectre? que se estrenará en noviembre de este año, el actor británico Daniel Craig le da vida al séptimo James Bond del cine. La primera película del agente 007 se estrenó en 1962 y fue Sean Connery quien interpretó al enigmático personaje. Antes de Connery fue el actor estadounidense, Barry Nelson, quien interpretera por primera vez a James Bond.

Fue en 1954 que Barry Nelson encarnara a James Bond para una adaptación televisiva de la novela ?Casino Royal?, el episodio estaba pensado para ser el piloto de una serie de aventuras del 007 pero el propio Nelson explicaría después: ?En aquellos años James Bond aún no era un personaje popular, ni yo mismo conocía cuando me contrataron para interpretarlo, así que el telefilme no tuvo mucho éxito y la serie nunca llegó a rodarse?.

Una historia muy diferente se vivió en el cine, pues cuando Sean Connery llegó en 1962 con ?Dr. No?, la historia del agente con licencia para matar se convertiría en una de las más famosas en la pantalla grande, a tal grado que las aventuras de este personaje siguen vivas. La última es ?Spectre? y se encuentra en grabaciones. Conoce aquí a los Bonds del cine.

El primer James Bond

Sean Connery interpretó al primer James Bond, y para muchos al mejor. Abrió la historia del 007 con el filme ?Dr. No? y actuó en otros cuatro filmes: ?From Russia

with Love? (1963), ?Goldfinger? (1964), ?Thunderball? (1965), ?You Only Live Twice? (1967).

Luego cuando todos sus seguidores pensaron que se había retirado, regresó con ?Diamonds are Forever? (1971).

Connery, que le tomó mucho cariño al papel participó después en la no oficial ?Never Say Never Again? (1983), una adaptación de la mítica ?Operación Trueno? (?Thunderball?), el actor incluso financió una parte de este último filme.

Este famoso James Bond fue nombrado ?Knight Bachelor? por la Reina Isabel II en el año 2000, se le nombró también como ?The Greatest Living Scot? (Es escocés más grande).

De Bond a la ?Pantera Rosa?

El segundo actor que interpretó al agente 007 en la pantalla grande fue David Nieven, quien en 1967 protagonizó el filme ?Casino Royale?, una parodia de James Bond. Cabe destacar que esta película fue rodada por seis directores, uno de ellos fue John Huston y la banda sonora estuvo a cargo de Burt Bacarach.

En la película Nieven le da vida a un James Bond jubilado que disfruta de su retiro en un castillo escocés que se ve interrumpido cuando se entera de que una organización terrorista quiere asesinarlo. Su sobrino Jimmy Bond, fue interpretado por un joven Woody Allen.

David Nieven después trabajó en ?La Pantera Rosa? (1964), pero sus actuaciones se redujeron debido a una enfermedad en el sistema nervioso, la misma que afecta al físico Stephen Hawking.

El no británico

George Lazenby fue el primer actor no británico en interpretar a James Bond, también fue el más criticado y a pesar de que le ofrecieron un contrato de siete películas su agente lo convenció de que la moda del agente 007 acabaría pronto. Así en 1969 protagoniza el filme ?On her Majesty?s Secret Service?.

Fue el único Bond que se casa y su esposa de ficción es asesinada por sus enemigos, fue la actriz Diana Rigg quien interpretó a su amada, sin embargo se dice que tuvieron problemas durante el rodaje, pues Lazenby acusó a la actriz de comer ajo antes de las escenas de besos.

Además el director del filme Peter Hunt no le dirigía la palabra a Lazenby, el actor más joven en ponerse en el traje de Bond, a los 29 años.

Bond hasta los 60 años

Rooger Moore estuvo a punto de ser el primer James Bond del cine, pero fue hasta 1973 que tuvo la oportunidad al protagonizar el filme ?Live and Let Die?, luego le seguirían ?The Man with he Golden Gun? (1974), ?The Spy Who Loved Me? (1977), ?Moonraker? (1979), ?For Your Eyes Only? (1981), ?Octopussy? (1983) y ?A View to Kill? (1985).

Moore actuó en siete películas oficiales convirtiéndose en el Bond con más presencia en el cine, además era mucho más cómico que los otros agentes e interpretó a Bond hasta que estuvo cerca de los 60 años ganándose el cariño de sus seguidores.

El Bond ganador

Timothy Dalton se disputó el papel de James Bond junto al actor Pierce Brosnan, ganando Dalton, así fue el protagonista de ?The Living Daylights? (?Su Nombre es Peligro?) y ?License to Kill? (?007 con Licencia para Matar? (1989).

Entre la ironía y la dureza

Pierce Brosnan tuvo su oportunidad como el agente 007 con un cuarteto de películas interpretando a James Bond, muchos dicen que es uno de los mejores, ya que consiguió un balance entre el irónico Moore y el duro Dalton. El primer filme que realizó fue ?Goldeneye? en 1995, le seguieron los filmes ?Tomorrow Never Dies? (1997), ?The World is Not Enough? (1999) y ?Die Another Day? (2002).

Además de los millones que le dejaron los filmes, Brosnan se quedó con los carros que conducía como agente 007.

El Bond actual

Daniel Craig fue elegido de entre 17 actores para interpretar al agente 007, en el 2006 protagonizó por primera vez a James Bond en el filme ?Casino Royale?.

Le siguieron las películas ?Quantum of Solace? (2008) y ?Skyfall? (2012).

En la actualidad Craig se encuentra grabando su tercer película como Bond, se trata de ?Spectre?, filme que se estrenaría en noviembre de este año. Este último Bond ha cambiado al martini por la cerveza.

Los peligros de ser Bond

- La última lesión que sufrió Daniel Craig fue en la rodilla durante la grabación de ?Spectre? en los Alpes autriacos, luego el agente 007 se trasladó a Londres y posteriormente a México, lugares donde se agravó su situación. Este mes se sometió a una intervención quirúrgica menor en Nueva York.

- Craig sufrió también un golpe en la cabeza cuando el Aston Martin de Bond topó con un bache durante una persecución en Roma.

- También en ?Quantum of Solace? (2008) se hizo daño en una muñeca y en la cabeza y al final de la grabación se sometió a una operación de la clavícula que lo obligó a asistir al estreno con el brazo en cabestrillo.

- Durante el rodaje de ?Skyfall? en el 2012 se dañó el músculo de la pierna, lo que se atribuyó al ímpetu que pone al grabar escenas de acción.

Vanguardia
20/04
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La aventura mexicana de Juan Marsé - Grupo Milenio

Es más, plataformas de películas como Apple TV o Netflix (a punto de aparecer en España) ofrecen las películas en otras lenguas, dobladas al español. En aquel ir y venir tuvo un encuentro aquí con Juan Rulfo, uno de sus escritores predilectos En 1973, el escritor español Juan Marsé terminó una novela que tenía pocas posibilidades de publicarse en su país. "De inmediato me preguntó", cuenta Marsé, "¿Y había mucha gente?".

En aquel ir y venir tuvo un encuentro aquí con Juan Rulfo, uno de sus escritores predilectos

En 1973, el escritor español Juan Marsé terminó una novela que tenía pocas posibilidades de publicarse en su país. En España gobernaba entonces, como desde 1939, el general Francisco Franco y su dictadura incluía un bien equipado departamento de censura, autodenominado, con descaro "Consulta Voluntaria", que revisaba, intervenía, censuraba o prohibía, cualquier obra artística que pretendiera exhibirse, interpretarse o publicarse. En el cine, por ejemplo, además de los recortes que se hacían de las escenas que, según el criterio del censor, comprometían al régimen, se aplicaba el doblaje al español de todas las películas, lo cual generó una boyante industria de dobladores, pero también dio pie a una censura más sutil, que consistía en alterar los parlamentos de los actores, por ejemplo Bogart o Mangano, para que dijeran en español frases que convenían al régimen y que, por supuesto, no estaban en el guión original.

Tantos años de censura en las películas, de 1939 a 1975, hicieron de España un país en el que la mayoría de la gente no entiende absolutamente nada de inglés, un país donde hasta hoy, gracias a la efectiva desertización cultural que aplicó el dictador, las películas subtituladas son una escasa excepción, incluso las que transmiten por la tele, entre el tumulto de películas dobladas. Es más, plataformas de películas como Apple TV o Netflix (a punto de aparecer en España) ofrecen las películas en otras lenguas, dobladas al español. La gente que quiere escapar de esa desertización, tiene que hacer la maniobra de inscribirse a la plataforma en Estados Unidos, con una tarjeta de crédito de aquel país y la dirección de un primo en, digamos, Ohio. Solo así se puede, 40 años después de la muerte del dictador, escapar al fantasma que dejó aquel siniestro departamento de censura.

Las novelas en 1973 sufrían un destino similar, tenían que pasar por la censura y si el editor quería publicarlas debía aplicar las modificaciones y los recortes que el censor imponía. Juan Marsé escribió aquella novela, que terminó titulándose Si te dicen que caí, con la conciencia de que iba a ser difícil que pasara la censura, pues se trata de una historia que hurga, con una deslumbrante lucidez, en las miserias de la España de la posguerra, y que critica, y se mofa, de las instituciones que el régimen franquista tenía en muy alta estima, como la Guardia Civil o la simbología de la Falange Española, el yugo y las flechas que eran objeto de veneración y al que Marsé se refiere en la novela como "la araña negra". El mismo título de la novela, Si te dicen que caí, es uno de los versos de "Cara al sol", el himno falangista, un título de gran sonoridad que no ayudó a la hora de someter el libro a la censura.

Hace unos años, en una mesa de amigos en la que estaba Juan Marsé, a la hora del café y los whiskys comenzamos a elogiar grandes títulos de novela, títulos de gran sonoridad, de diseño fonético perfecto, inolvidables; en medio de la lista espontánea de nombres que íbamos tirando encima del mantel, propuse Si te dicen que caí. Mi propuesta no tenía que ver con la presencia del autor en la mesa, es un título que me ha gustado siempre, desde que era un niño y veía, en el librero de mi padre, la edición mexicana de esa novela. En cuanto propuse ese título que era suyo, Juan se me quedó mirando con mucha socarronería y me dijo que el título original de esa novela había sido Adiós muchachos (cosa que me dejó en una especie de off side), pero que su amigo el poeta Jaime Gil de Biedma lo convenció de la sonoridad, y del desafió que contenía la frase "Si te dicen que caí". Otra noche, después de otra cena, mientras caminábamos ciudad arriba, cada uno rumbo a su casa, me contó del primer viaje que hizo a México, en 1973, de la gente que conoció y de una entrevista que le habían hecho en un foro enorme de Televisa. Esa noche llegué a mi casa pensando que tenía que contar esa historia en un artículo, pero al día siguiente el proyecto se había diluido, era demasiado anecdótico y tenía la inevitable degradación de la cosa que cuentas que otro te contó.

Pero resulta que hace unas semanas me encontré con una extensa biografía de Juan Marsé (Mientras llega la felicidad, Josep Maria Cuenca, Anagrama, 2015) en la que el biógrafo registra, con todo el rigor que exige su papel, aquel viaje a México que me contó el escritor mientras subíamos por las calles de Barcelona. Así que, a partir de esa fuente autorizada, cuento ahora el viaje de Juan Marsé a nuestro país.

Marsé terminó su novela, Si te dicen que caí, convencido de que la censura se la iba a destripar, o de plano a prohibir, y mientras decidía qué hacer se enteró de que había un importante premio literario en México, que ofrecía 10 mil dólares a una novela inédita en español, que debía enviarse a la Asociación de Escritores de México que estaba en Filomeno Mátala (así decía textualmente el anuncio publicado en España) número 8. En el jurado del premio estaban Mario Vargas Llosa, Ángel María de Lera, Miguel Otero Silva y José Revueltas, y se iba a hacer cargo de la edición la Editorial Novaro. Marsé, un poco escéptico pero animado por sus amigos, envió la novela y, unos meses más tarde se enteró, en un artículo que publicó el diario La Vanguardia, que había ganado el "Premio internacional de novela México". El artículo era un cable de la agencia EFE que empezaba así: "Si te dicen que caí, del español Juan Marcet, ganó hoy....". De alguna forma tienen que estar relacionados el Marcét que le endilgaron a Marsé, y el Mátala de Filomeno Mata.

El premio, además de los 10 mil dólares que, según su biógrafo, sacaron a Marsé de una crisis económica, incluía un viaje a México para que el ganador asistiera a la ceremonia de entrega. Marsé nunca había estado en México, era un país que le atraía, entre otras cosas porque Carlos Barral, su editor y amigo, era un entusiasta del país y además, dentro del terreno estrictamente editorial, varios españoles, en esos años de censura, habían optado por editar sus libros en México, en la legendaria Joaquín Mortíz que dirigía otro español, Joaquín Diez-Canedo, que había llegado a México con los exiliados de la Guerra Civil.

En septiembre de 1973 Juan Marsé y Joaquina, su mujer, volaron a México pero, antes, hicieron una escala de varios días en París para visitar a algunos amigos que había hecho el escritor durante el periodo que vivió en aquella ciudad. En un pequeño cine del Quartier Latin, Juan Marsé, que es por cierto un experto cinéfilo, vio El discreto encanto de la burguesía, del director Luis Buñuel, que acababa de estrenarse en Francia. Los Marsé llegaron a México el 17 de septiembre e inmediatamente iniciaron un tour de force social que los llevó durante varios días, muy a la mexicana, de un sitio a otro hasta que, en cierto punto del tour, Marsé coincidió con Luis Buñuel, en el estreno de un documental sobre la vida y obra del pintor Alberto Gironella. "La verdad es que el documental era vergonzoso", cuenta Juan Marsé, y luego añade que por decirle algo a Buñuel, cosa que le hacía ilusión, le contó que acababa de ver el estreno de El discreto encanto de la burguesía, en París. "De inmediato me preguntó", cuenta Marsé, "¿Y había mucha gente?". Y yo le dije: "Sí, pero ya sabe usted como son esos cines pequeños del Quartier Latin". Y él me decía: "Sí, sí, pero ¿estaba lleno?". Luego dice Marsé que a los pocos minutos de empezar el documental, que estaba dedicado, precisamente, al director aragonés, Buñuel se quejó de un dolor súbito de barriga y abandonó la sala. "Y yo pensé, este tío es un sabio. ¡Fantástico! Nunca más lo volví a ver...", remata Marsé.

Como la novela se había publicado del otro lado del mar, Marsé no había podido revisar las galeras y al llegar a México se encontró con el libro ya impreso, en una edición de 20 mil ejemplares, que circulaba con un Goya en la portada, el famoso Saturno devorando a sus hijos, una imagen que, para los lectores mexicanos de Marsé, quedó asociada para siempre con la novela.

En aquel ir y venir por México Juan Marsé tuvo un encuentro con Juan Rulfo, uno de sus escritores predilectos y, para su sorpresa, Rulfo apareció con un ejemplar de Últimas tardes con Teresa para que Marsé se lo dedicara; como se trataba de un encuentro entre dos escritores más bien lacónicos, hubo poca conversación; sin embargo, años después, en una visita que hizo Rulfo a España, habló en varias ocasiones del encuentro que había tenido con Juan Marsé en México.

Una vez hecho el rumboso lanzamiento en México, la editorial Novaro envió cinco mil ejemplares de la novela a España, confiando en que, al tratarse de una novela premiada y ya impresa, la censura permitiría su circulación; pero la edición completa del libro fue a parar a una bodega. Un año después de su publicación en México, Si te dicen que caí era rechazada por la censura franquista, con un informe que decía, categóricamente: "Consideramos esta novela, sencillamente imposible de autorizar" y luego mencionaba una lista de agravios contra la Falange y la Guardia Civil, y una serie de escenas políticas inconvenientes, de "irreverencias" y de episodios obscenos y pornográficos.

"Pero después de quitado todo esto", informa el censor, "la novela sigue siendo una pura porquería. Es la historia de unos chicos que en la postguerra viven de mala manera, terminan en rojos pistoleros atracadores, van muriendo... todo ello mezclado con putas, maricones, gente de mala vida... Puede que muy realista pero que da una imagen muy deformada, casi calumniosa de la España de la postguerra". Así se expresaba el censor en turno de Si te dicen que caí, una novela impagable de ese enorme escritor que es Juan Marsé.

Pasado un tiempo la editorial Novaro aceptó su derrota frente a la censura española, sacó los cinco mil ejemplares de la novela que seguían en la bodega y los exportó a países de Latinoamérica. Ya muerto el dictador, en 1976, la editorial Seix Barral compró los derechos de la novela y, después de una revisión mínima que, al fin, hizo el propio Juan Marsé, se imprimió la primera edición española de Si te dicen que caí, aparecida en librerías de la Península ibérica a principios de marzo de 1977, tres años y medio después de su rumboso lanzamiento en México.

Milenio
19/04
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Tech George Lucas verá 'Star Wars' sin saber qué pasará

"Las películas de "Star Wars" las puede ver un niño de dos años que no entiende las palabras pero entiende la película. Para mí, el sonido es el 50 por ciento de las películas, pero no los diálogos. Los diálogos son solo una parte de la banda sonora", dijo en tono provocador. "Yo no era como Steven Spielberg o Martin Scorsese, que veían películas desde que eran niños. Yo quería ser piloto de carreras, pero tuve un accidente a los 18 años y decidí volver a los estudios", reconoció.

NUEVA YORK, ESTADOS UNIDOS (17/ABR/2015).- Un día después de que el mundo se revolucionara con el tráiler de "Star Wars: The Force Awakens", George Lucas reconoció hoy en el Festival de Tribeca que, desligado por fin de las labores creativas de la saga, espera con impaciencia el momento en el que se pueda sentar a verla como un espectador más.

"De lo único que me arrepiento de haber hecho "Star Wars" es de no haberlas podido ver como un espectador cualquiera, sentir esa emoción. Ahora, por fin podré ver este nuevo episodio sin saber qué pasará", aseguró ante un entregadísimo público en Nueva York.

En una de las charlas programadas por el festival, Lucas fue entrevistado por el periodista y cómico Stephen Colbert, y aunque anunciaron que no hablarían del que es el "Episodio VII" de la legendaria saga de Han Solo, Luke Skywalker y la princesa Leia, fue inevitable hacer alguna referencia.

"Espero que le vaya bien, que sean buenas películas y que la saga tome otra dirección", dijo sobre esta etapa de la multimillonaria franquicia en la que le ha tomado el relevo J.J.Abrams y en la que vuelven a estar en el reparto los actores originales: Harrison Ford, Mark Hamill y Carrie Fisher.

Lucas, que enriqueció todavía más sus arcas también produciendo "Indiana Jones" y con su empresa de efectos especiales Light & Magic, fue desgranando anécdotas sobre cómo pasó de querer ser conductor de automóviles de carreras al hombre más rentable de Hollywood.

"Yo no era como Steven Spielberg o Martin Scorsese, que veían películas desde que eran niños. Yo quería ser piloto de carreras, pero tuve un accidente a los 18 años y decidí volver a los estudios", reconoció.

Se matriculó en la Universidad de Cine, cuando en realidad tenía pensado hacerlo en la de fotografía, y, tras realizar un cortometraje, "Look at Life", que se llenó de premios, se dijo: "Parece que esto lo sé hacer".

En la facultad se dio cuenta de que había un cine clásico que no había visto nunca en la televisión y se apasionó por el cine experimental y la ciencia ficción, además de hacerse amigo de Francis Ford Coppola.

"Entonces el cine no daba mucho trabajo, pero conforme estudiábamos, los dueños de los grandes estudios, que ya tenían 80 años, los vendieron y buscaron jóvenes talentos en las escuelas de cine", recordó, y así nació el llamado "nuevo cine americano" del que Lucas fue bandera junto a Scorsese, Spielberg y Coppola.

Cuando realizó su primera película, "THX 1138", este último, que entonces estaba rodando "The Godfather" por encargo, le dijo: "Déjate de robots y haz una comedia". Fue entonces como, casi a modo de apuesta, hizo "American Graffiti", que con 700 mil dólares de presupuesto recaudó más de 100 millones.

Entonces llegó "Star Wars", pero tampoco fue fácil. Su mitología no recibió la aprobación de nadie del estudio ni de sus amigos y Brian De Palma, por ejemplo, le dijo: "¿Qué demonios es esto de la fuerza?".

Por ello, cuando la estrenó decidió irse a Hawai para pasar página y "vegetar". Al cabo de una semana lo llamaron del estudio y le dijeron: "Enchufa el televisor".

"Fue entonces cuando fui consciente del fenómeno en el que se había convertido", recordó y entonces cambió la política de cara a las siguientes entregas.

"Haciendo películas no ganas dinero. Los productores se consideran que son los responsables de que el cine se lleve a cabo, porque son ellos los que dan luz verde a los proyectos, pero en realidad no hay nada de creativo en eso. Así que, con el dinero que gané, me contraté a mí mismo como productor y despedí al resto. Fue entonces cuando empecé a hacerme rico", dijo entre bromas.

La fórmula del éxito de las aventuras del Halcón Milenario, para él, se ha basado en una concepción del cine "como si fuera mudo".

"Las películas de "Star Wars" las puede ver un niño de dos años que no entiende las palabras pero entiende la película. Para mí, el sonido es el 50 por ciento de las películas, pero no los diálogos. Los diálogos son solo una parte de la banda sonora", dijo en tono provocador.

Lucas, el hombre que en los años 70 fue el más visionario de los cineastas, hoy hizo una importante afirmación que desafía las nuevas tecnologías: "Mis películas siempre estarán hechas para disfrutarse en la gran pantalla de un cine. Si alguien quiere verlas en la televisión o el teléfono no me opongo, pero nunca adaptaré mi lenguaje a estos formatos".

Finalmente, preguntado por sus futuros proyectos dijo: "Siempre he querido volver al cine experimental, pero siempre tenía que hacer una película de "Star Wars", así que ahora por fin puedo y es lo que estoy haciendo", dijo.

"Solo hay dos maneras de hacer cine experimental: no teniendo dinero y pidiendo a todos tus amigos o teniendo muchísimo dinero y pagándote la película que tú quieres, como tú quieres y que probablemente no llegue a estrenarse", concluyó.

El Informador
18/04
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Money Lo mejor del cine gótico inglés llega a la Cineteca

Para este filme se reciclan algunos elementos de la película de 1932 protagonizada por Boris Karloff, pero también de la franquicia de los años 40. Con esta película, Reeves logró trascender al género y granjearse el elogio de la crítica. Una cinta clave del horror británico, considerada de culto y potencializada por la reconocida banda sonora del músico Paul Giovanni, quién retomó ritmos del folk para su realización.3.

Melancolía, muerte, suspenso y soledad son los tópicos principales que abordan las películas del ciclo Gótico: el corazón oscuro del cine, que se exhibe en la Cineteca Nacional desde el pasado jueves y concluye el próximo 30 de abril. 

"Se trata de una muestra integrada por 10 cintas representativas del cine de género británico, que abarcan de los años 50 a los 80. Es una gran oportunidad tanto para los fanáticos del cine de género como para quienes no lo son, pero gustan de historias de horror", señaló Nelson Carro, director de difusión y programación de la Cineteca.

David Elliott, director británico del UKMX 2015, explicó que las cintas góticas no sólo son vampiros y monstruos: “En estas películas también podemos ver el interés por un ángulo psicológico y no sólo en la sangre. Yo recuerdo haber visto Night of the Demon cuando era un niño y fue aterrorizante, como lo son las 10 cintas que componen este ciclo".

Aquí te recomendamos tres películas que no puedes perderte: 

1. La momia (The Mummy, Reino Unido, 1959, 88 min)

Siguiendo con la tradición de recuperar algunos de los clásicos de terror de la Universal, la Hammer retomó en 1959 el mito de la momia en este filme homónimo dirigido por Terence Fisher. Para este filme se reciclan algunos elementos de la película de 1932 protagonizada por Boris Karloff, pero también de la franquicia de los años 40. Aquí, dos arqueólogos, padre e hijo, tendrán que enfrentar la furia de Kharis, quien tiene como único objetivo eliminar a todos aquellos que han turbado la tranquilidad de su amada, la reina Ananka.

?2. El hombre de mimbre (The Wicker Man, Reino Unido, 1973, 88 min)

La desaparición de una joven en la isla de Summerisle motiva al sargento Neil Howie a viajar al lugar. Durante su investigación, descubre la existencia de un culto pagano, liderado por el siniestro Lord Summerisle. El ambiente turbio del sitio y los oscuros rituales de la secta pondrán en riesgo su trabajo. Una cinta clave del horror británico, considerada de culto y potencializada por la reconocida banda sonora del músico Paul Giovanni, quién retomó ritmos del folk para su realización.

3. Cuando las brujas arden (Witchfinder General, Reino Unido, 1968, 86 min)

En medio del contexto juvenil contra el establishment en todo el mundo, el realizador Michael Reeves (quien falleció trágicamente tras realizar este filme) logra apropiarse de Matthew Hopkins, personaje histórico que fungía como cazador de brujas en medio de la Guerra Civil Británica. En la película, un joven soldado busca poner fin a los males causados por el mencionado persecutor, quien lleva a cabo su trabajo con una extrema vileza. Con esta película, Reeves logró trascender al género y granjearse el elogio de la crítica.

El Financiero
19/04
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Tech ?Las salas de cine no morirán por ver películas en ?streaming??

¿Y por qué abandonar Netflix en 2003, cuando la compañía ya era un éxito y estaba a punto de dar el salto al streaming. Una frase de la actriz Mary Pickford, diva de Hollywood que rodaba películas por docenas al año en la edad de oro del mudo: "Eso que llamamos fracaso no es caerse, sino permanecer en el suelo". "Nadie sabe nada" es un extraño mantra para el fundador de una empresa que vale hoy más de 20.000 millones de euros, pero para Marc Randolph, cofundador de Netflix .

"Nadie sabe nada" es un extraño mantra para el fundador de una empresa que vale hoy más de 20.000 millones de euros, pero para Marc Randolph, cofundador de Netflix ?el servicio en streaming de series y películas con más de 44 millones de usuarios?, esta frase del oscarizado guionista William Goldman vale tanto para lo que se cuece en la meca del cine como lo que bulle en Silicon Valley: "Goldman quería que nadie puede predecir qué será un éxito y qué será un fracaso. Y es importante tenerlo en cuenta para entender que si tienes una idea es imposible saber de antemano si es buena o mala", proclamó Randolph durante la presentación ayer martes del nuevo máster internacional MBA de IE Business School.

Que las ideas malas pueden convertirse en ideas millonarias es algo que sabe bien la mujer de Randolph. Cuando le contó la idea de Netflix ella le respondió que era "la mayor estupidez que había oído". Y, en efecto, pareció serlo por un tiempo. Netflix arrancó no como un servicio en línea, sino como un videoclub por correo que enviaba los DVD directamente a los buzones de los estadounidenses. El usuario podía quedarse los discos tanto tiempo como quisiera y no se le cobraba por devolverlos tarde.

Durante tres años la propuesta apenas funcionó, hasta que llegó el 14 de abril de 1997. "Lanzamos nuestra web y estábamos esperando con el champán a que se escuchara el primer ding de nuestro primer cliente. Se escuchó el ding. Unos segundos después: ding, ding, ding, ding. Luego, silencio. Se nos había caído el servidor. Así que en vez de pasarme la tarde bebiendo champán, me encontré en un supermercado con mi técnico comprando equipo a toda prisa para volver a estar en la red".

A sus 56 años, más de una década después de despedirse de la compañía que cofundó y dirigió, Randolph sigue siendo fiel al "nadie sabe nada" y se muestra reacio a las predicciones, aunque se atreve a opinar sobre el futuro que aguarda a las salas de cine por la competencia de Netflix: "No creo que ver películas por streaming vaya a matar a las salas de cine. Cuando estoy en casa, reconozco que lo veo todo por Netflix, o por HBO y Apple TV, pero sigo yendo al cine porque es una experiencia muy distinta". Sobre si el Blu-ray será el último formato físico o de si en realidad la piratería beneficia a la industria, como señalan artistas como Neil Gaiman o los productores de Juego de tronos, Randolph prefiere dejarle el papel de oráculo a otro.

¿Y por qué abandonar Netflix en 2003, cuando la compañía ya era un éxito y estaba a punto de dar el salto al streaming? "A los 45 ya sabes perfectamente en lo que eres bueno y en lo que eres malo. Y yo me di cuenta de que, pecando de inmodesto, se me daba muy bien arrancar empresas, pero era terrible como mánager de una compañía enorme". Cerrar la puerta de Netflix le dejó vía libre a su auténtica pasión: el mundillo start-up. Chubbies shorts, Getable, Bookrenter o Rafter son un puñado de las start-ups que cuentan con él entre sus fundadores y directivos, algunas con éxito, como Looker, que ofrece un programa para gestionar los datos en una empresa y ha conseguido una ronda de financiación de 28 millones de euros.

Optimista "por naturaleza", Randolph no ve que los sueños proféticos de un apocalipsis start-up que han venido señalando expertos como Bill Gurley (máximo inversor de Uber o Snapchat) se vayan a cumplir. Para él, hay un abismo entre estos tiempos y la burbuja digital que explotó en el 2000 y que generó pérdidas de miles de millones de euros: "Las cosas son muy, muy diferentes ahora que entonces. Viví lo que pasó y vi las barbaridades que se cometieron. En su gran mayoría, ese no es el caso. No es lo mismo invertir en ideas, como ocurría entonces, que invertir en empresas como Uber o Airbnb. Estas compañías no son ficticias, tienen millones de clientes que pagan un dinero muy real".

Además, Randolph cree que los riesgos de montar un negocio tecnológico se han reducido mucho: "Cuando constituimos Netflix como empresa, tuvimos que reunir un capital de casi dos millones de euros y tardamos seis meses en tener una web. Ahora podrían hacer lo mismo dos chavales en el salón de su casa".

Y podrían probarlo sin tener que montar una empresa. Randolph señala como futura revolución para las start-ups que puedan identificar si su negocio funciona o no sin tener que crear la compañía"Lo llamo validation-hacking. Pongamos un ejemplo inventado: tú quieres montar una app para servir cerveza a tus clientes siempre que les apetezca. Pues antes de empezar a desarrollarla, lo que tienes que hacer es salir por tu vecindario, darle tu número a los vecinos y contarles cuál es el servicio que ofreces. Te pasas unos meses probando así, corriendo para llevar cerveza a gente cercana cada vez que te lo pidan. Y de ahí aprenderás mucho de tus clientes potenciales y de si el negocio parece rentable".

Sí que ve compleja, aunque necesaria, la transformación de un país que quiera subirse al carro de las start-ups. Y no por dinero o tradición tecnológica: "El factor esencial del que no se suele hablar es el cultural. Conceptos como incentivar la ambición o premiar el fracaso chocan a veces con barreras culturales. En esto hemos mejorado mucho en Estados Unidos, pero hay zonas en las que todavía no se entiende lo importante que es que la gente aprenda errando". De hecho, afirma que la moda ahora en Silicon Valley es "mirar mal" a quien no ha fallado al menos una vez, otro mantra para el emprendedor para el que Randolph se guarda otra referencia cinéfila. Una frase de la actriz Mary Pickford, diva de Hollywood que rodaba películas por docenas al año en la edad de oro del mudo: "Eso que llamamos fracaso no es caerse, sino permanecer en el suelo".

Vanguardia
18/04
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Entusiasma a George Lucas estreno de ‘Star Wars VII’ - Grupo Milenio

Fue entonces como, casi a modo de apuesta, hizo "American Graffiti", que con 700 mil dólares de presupuesto recaudó más de 100 millones.Entonces llegó 'Star Wars', pero tampoco fue fácil. Su mitología no recibió la aprobación de nadie del estudio ni de sus amigos y Brian De Palma, por ejemplo, le dijo: "¿Qué demonios es esto de la fuerza?".Por ello, cuando la estrenó decidió irse a Hawai para pasar página y "vegetar".

Un día después de que el mundo se revolucionara con el tráiler de 'Star Wars: The Force Awakens', George Lucas reconoció hoy en el Festival de Tribeca que, desligado por fin de las labores creativas de la saga, espera con impaciencia el momento en el que se pueda sentar a verla como un espectador más.

"De lo único que me arrepiento de haber hecho 'Star Wars' es de no haberlas podido ver como un espectador cualquiera, sentir esa emoción. Ahora, por fin podré ver este nuevo episodio sin saber qué pasará", aseguró ante un entregadísimo público en Nueva York.

En una de las charlas programadas por el festival, Lucas fue entrevistado por el periodista y cómico Stephen Colbert, y aunque anunciaron que no hablarían del que es el 'Episodio VII' de la legendaria saga de Han Solo, Luke Skywalker y la princesa Leia, fue inevitable hacer alguna referencia.

"Espero que le vaya bien, que sean buenas películas y que la saga tome otra dirección", dijo sobre esta etapa de la multimillonaria franquicia en la que le ha tomado el relevo J.J.Abrams y en la que vuelven a estar en el reparto los actores originales: Harrison Ford, Mark Hamill y Carrie Fisher.

Lucas, que enriqueció todavía más sus arcas también produciendo 'Indiana Jones' y con su empresa de efectos especiales Light & Magic, fue desgranando anécdotas sobre cómo pasó de querer ser conductor de automóviles de carreras al hombre más rentable de Hollywood.

"Yo no era como Steven Spielberg o Martin Scorsese, que veían películas desde que eran niños. Yo quería ser piloto de carreras, pero tuve un accidente a los 18 años y decidí volver a los estudios", reconoció.

Se matriculó en la Universidad de Cine, cuando en realidad tenía pensado hacerlo en la de fotografía, y, tras realizar un cortometraje, 'Look at Life', que se llenó de premios, se dijo: "Parece que esto lo sé hacer".

En la facultad se dio cuenta de que había un cine clásico que no había visto nunca en la televisión y se apasionó por el cine experimental y la ciencia ficción, además de hacerse amigo de Francis Ford Coppola.

"Entonces el cine no daba mucho trabajo, pero conforme estudiábamos, los dueños de los grandes estudios, que ya tenían 80 años, los vendieron y buscaron jóvenes talentos en las escuelas de cine", recordó, y así nació el llamado "nuevo cine americano" del que Lucas fue bandera junto a Scorsese, Spielberg y Coppola.

Cuando realizó su primera película, 'THX 1138', este último, que entonces estaba rodando 'The Godfather' por encargo, le dijo: "Déjate de robots y haz una comedia". Fue entonces como, casi a modo de apuesta, hizo "American Graffiti", que con 700 mil dólares de presupuesto recaudó más de 100 millones.

Entonces llegó 'Star Wars', pero tampoco fue fácil. Su mitología no recibió la aprobación de nadie del estudio ni de sus amigos y Brian De Palma, por ejemplo, le dijo: "¿Qué demonios es esto de la fuerza?".

Por ello, cuando la estrenó decidió irse a Hawai para pasar página y "vegetar". Al cabo de una semana lo llamaron del estudio y le dijeron: "Enchufa el televisor".

"Fue entonces cuando fui consciente del fenómeno en el que se había convertido", recordó y entonces cambió la política de cara a las siguientes entregas.

"Haciendo películas no ganas dinero. Los productores se consideran que son los responsables de que el cine se lleve a cabo, porque son ellos los que dan luz verde a los proyectos, pero en realidad no hay nada de creativo en eso. Así que, con el dinero que gané, me contraté a mí mismo como productor y despedí al resto. Fue entonces cuando empecé a hacerme rico", dijo entre bromas.

La fórmula del éxito de las aventuras del Halcón Milenario, para él, se ha basado en una concepción del cine "como si fuera mudo".

"Las películas de 'Star Wars' las puede ver un niño de dos años que no entiende las palabras pero entiende la película. Para mí, el sonido es el 50 por ciento de las películas, pero no los diálogos. Los diálogos son solo una parte de la banda sonora", dijo en tono provocador.

Lucas, el hombre que en los años 70 fue el más visionario de los cineastas, hoy hizo una importante afirmación que desafía las nuevas tecnologías: "Mis películas siempre estarán hechas para disfrutarse en la gran pantalla de un cine. Si alguien quiere verlas en la televisión o el teléfono no me opongo, pero nunca adaptaré mi lenguaje a estos formatos".

Finalmente, preguntado por sus futuros proyectos dijo: "Siempre he querido volver al cine experimental, pero siempre tenía que hacer una película de 'Star Wars', así que ahora por fin puedo y es lo que estoy haciendo", dijo.

"Solo hay dos maneras de hacer cine experimental: no teniendo dinero y pidiendo a todos tus amigos o teniendo muchísimo dinero y pagándote la película que tú quieres, como tú quieres y que probablemente no llegue a estrenarse", concluyó.

Milenio
18/04
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People Las coproducciones son el futuro del cine: Jean-Jacques Annaud

Pekín, China.- El director francés Jean Jacques Annaud, autor de la cinta sinofrancesa "Le dernier loup" ("Wolf Totem"), aseguró hoy en Pekín que el "futuro del cine está, necesariamente, en la fórmula de las coproducciones".

En declaraciones a Efe en un hotel pequinés, donde departió sobre cine junto a otros profesionales de la industria con motivo de la V edición del Festival de Cine de la capital china, Annaud recordó que "toda" su vida ha hecho coproducciones.

"Me di cuenta muy pronto de que somos directores de cine, hablamos un lenguaje internacional. No importa de dónde vengamos".

Su última cinta, "Le dernier loup", recién estrenada en España, ha sido uno de los mayores éxitos de China en los últimos años, lo que contribuyó a que la potencia asiática fuese líder mundial de taquilla por primera vez en febrero, por delante de Estados Unidos.

"Nos sorprendió mucho, me hizo muy feliz", dice a Efe Annaud sobre la gran aceptación de la cinta en China y su contribución a la recaudación de la taquilla de la potencia asiática, además, subraya, con una película "que no es el típico filme chino, la historia es universal".

El director de películas como "L'ours" ("The Bear", 1988) o "Deux frères" ("Two Brothers", 2004) logró así volver al país asiático por la puerta grande, después de ser vetado por Pekín tras "Seven Years in Tibet", cinta protagonizada por Brad Pitt en la que su personaje traba amistad con el Dalai Lama cuando China ocupó la región.

Annaud se muestra reconciliado con China, y asegura durante un coloquio con otros directores y profesionales de la industria del cine haber rodado con libertad "El último lobo", ambientada en los días de la Revolución Cultural de 1967 y que narra el descubrimiento de la vida nómada y salvaje por parte de un estudiante de Pekín.

Que una película con esa trama haya conseguido triunfar en China hace creer a Annaud que han atraído "a una nueva audiencia, ya que mucha gente había dejado de ir al cine porque las películas (ofrecidas en el país asiático) estaban hechas para adolescentes o son solo comedias románticas o filmes de acción estadounidenses".

"'El último lobo' no es así para nada. Se parece más a mis anteriores películas, como "L'ours" o "Le nom de la rose" (1986)", resalta.

Otra de las ventajas de las coproducciones, recuerda Annaud, es que se saltan el exiguo límite a películas extranjeras que imponen las autoridades chinas (de 32 al año), y que, de momento, está prácticamente acaparado por los taquillazos estadounidenses.

Tom De Santo, productor y guionista de dos de los mayores éxitos actuales, "Xmen 2" y "Transformers", respectivamente, comparte mesa con Annaud en Pekín y argumenta, por su parte, que la aportación de China a la taquilla es fundamental: "ojalá todas las películas hicieran dinero", dice durante su intervención.

Si "Transformers 4: La era de la extinción" fue la primera película en superar los 300 millones de dólares en China el pasado año, la séptima entrega de la saga "Fast & Furious" batió el pasado fin de semana el récord de taquilla de este país al recaudar durante su estreno y en un solo día 65,4 millones de dólares.

Una bonanza de la que Annaud también alerta: "hay un cierto riesgo cuando hay mucho dinero circulando, como cuando por la burbuja inmobiliaria se construyen malos edificios", dice a Efe.

Pero el cineasta, de 71 años, se muestra también convencido de que no se le puede dar la espalda a China hoy en día.

"No hay ninguna duda de que el mercado chino se va a convertir en el número uno mundial", vaticina, y añade que, al margen de que China tenga la mayor población del planeta, se trata de "una nueva moda".

"Ahora la gente (en China) va al cine en vez de ir al karaoke. Hay mucho entusiasmo", concluye. 

Vanguardia
18/04
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People Por fin podré ver una de 'Star Wars' sin saber qué pasará: George Lucas

Fue entonces como, casi a modo de apuesta, hizo "American Graffiti", que con 700.000 dólares de presupuesto recaudó más de 100 millones.Entonces llegó "Star Wars", pero tampoco fue fácil. Su mitología no recibió la aprobación de nadie del estudio ni de sus amigos y Brian De Palma, por ejemplo, le dijo: "¿Qué demonios es esto de la fuerza?".Por ello, cuando la estrenó decidió irse a Hawai para pasar página y "vegetar".

Un día después de que el mundo se revolucionara con el tráiler de "Star Wars: The Force Awakens", George Lucas reconoció hoy en el Festival de Tribeca que, desligado por fin de las labores creativas de la saga, espera con impaciencia el momento en el que se pueda sentar a verla como un espectador más."De lo único que me arrepiento de haber hecho 'Star Wars' es de no haberlas podido ver como un espectador cualquiera, sentir esa emoción. Ahora, por fin podré ver este nuevo episodio sin saber qué pasará", aseguró ante un entregadísimo público en Nueva York.En una de las charlas programadas por el festival, Lucas fue entrevistado por el periodista y cómico Stephen Colbert, y aunque anunciaron que no hablarían del que es el "Episodio VII" de la legendaria saga de Han Solo, Luke Skywalker y la princesa Leia, fue inevitable hacer alguna referencia."Espero que le vaya bien, que sean buenas películas y que la saga tome otra dirección", dijo sobre esta etapa de la multimillonaria franquicia en la que le ha tomado el relevo J.J.Abrams y en la que vuelven a estar en el reparto los actores originales: Harrison Ford, Mark Hamill y Carrie Fisher.Lucas, que enriqueció todavía más sus arcas también produciendo "Indiana Jones" y con su empresa de efectos especiales Light & Magic, fue desgranando anécdotas sobre cómo pasó de querer ser conductor de automóviles de carreras al hombre más rentable de Hollywood."Yo no era como Steven Spielberg o Martin Scorsese, que veían películas desde que eran niños. Yo quería ser piloto de carreras, pero tuve un accidente a los 18 años y decidí volver a los estudios", reconoció.Se matriculó en la Universidad de Cine, cuando en realidad tenía pensado hacerlo en la de fotografía, y, tras realizar un cortometraje, "Look at Life", que se llenó de premios, se dijo: "Parece que esto lo sé hacer".En la facultad se dio cuenta de que había un cine clásico que no había visto nunca en la televisión y se apasionó por el cine experimental y la ciencia ficción, además de hacerse amigo de Francis Ford Coppola."Entonces el cine no daba mucho trabajo, pero conforme estudiábamos, los dueños de los grandes estudios, que ya tenían 80 años, los vendieron y buscaron jóvenes talentos en las escuelas de cine", recordó, y así nació el llamado "nuevo cine americano" del que Lucas fue bandera junto a Scorsese, Spielberg y Coppola.Cuando realizó su primera película, "THX 1138", este último, que entonces estaba rodando "The Godfather" por encargo, le dijo: "Déjate de robots y haz una comedia". Fue entonces como, casi a modo de apuesta, hizo "American Graffiti", que con 700.000 dólares de presupuesto recaudó más de 100 millones.Entonces llegó "Star Wars", pero tampoco fue fácil. Su mitología no recibió la aprobación de nadie del estudio ni de sus amigos y Brian De Palma, por ejemplo, le dijo: "¿Qué demonios es esto de la fuerza?".Por ello, cuando la estrenó decidió irse a Hawai para pasar página y "vegetar". Al cabo de una semana lo llamaron del estudio y le dijeron: "Enchufa el televisor"."Fue entonces cuando fui consciente del fenómeno en el que se había convertido", recordó y entonces cambió la política de cara a las siguientes entregas."Haciendo películas no ganas dinero. Los productores se consideran que son los responsables de que el cine se lleve a cabo, porque son ellos los que dan luz verde a los proyectos, pero en realidad no hay nada de creativo en eso. Así que, con el dinero que gané, me contraté a mí mismo como productor y despedí al resto. Fue entonces cuando empecé a hacerme rico", dijo entre bromas.La fórmula del éxito de las aventuras del Halcón Milenario, para él, se ha basado en una concepción del cine "como si fuera mudo"."Las películas de 'Star Wars' las puede ver un niño de dos años que no entiende las palabras pero entiende la película. Para mí, el sonido es el 50 % de las películas, pero no los diálogos. Los diálogos son solo una parte de la banda sonora", dijo en tono provocador.Lucas, el hombre que en los años 70 fue el más visionario de los cineastas, hoy hizo una importante afirmación que desafía las nuevas tecnologías: "Mis películas siempre estarán hechas para disfrutarse en la gran pantalla de un cine. Si alguien quiere verlas en la televisión o el teléfono no me opongo, pero nunca adaptaré mi lenguaje a estos formatos".Finalmente, preguntado por sus futuros proyectos dijo: "Siempre he querido volver al cine experimental, pero siempre tenía que hacer una película de 'Star Wars', así que ahora por fin puedo y es lo que estoy haciendo", dijo."Solo hay dos maneras de hacer cine experimental: no teniendo dinero y pidiendo a todos tus amigos o teniendo muchísimo dinero y pagándote la película que tú quieres, como tú quieres y que probablemente no llegue a estrenarse", concluyó. EFE

El Universal
18/04
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People Tráiler de 'Star Wars' ha recibido 20 millones de clicks en YouTube

Diez años después de Star Wars: episodio III - Revenge of the Sith, llega a los cines en diciembre la séptima entrega. Cuando faltan nueve meses para la próxima entrega de Star Wars, los productores lanzaron la tarde del jueves un nuevo tráiler de la película que, en menos de 24 horas, ya ha recibido casi 20 millones de clicks en Youtube.La séptima película de la saga que lleva por título The Force Awakens y que dirige J.J.

Anaheim. Cuando faltan nueve meses para la próxima entrega de Star Wars, los productores lanzaron la tarde del jueves un nuevo tráiler de la película que, en menos de 24 horas, ya ha recibido casi 20 millones de clicks en Youtube.

La séptima película de la saga que lleva por título The Force Awakens y que dirige J.J. Abrams llegará en diciembre a los cines.

El segundo avance oficial de la cinta se dio a conocer durante los cuatro días de la "Star Wars Celebration 2015", una feria centrada en los fans de las películas que se celebra en la ciudad californiana de Anaheim.

Abrams llevó a la inauguración de la feria a los nuevos y viejos rostros de la Star Wars, otros como Carrie Fisher, Mark Hamill, John Boyega, Daisy Ridley y Oscar Isaac.

Harrison Ford, quien vuelve a enfundarse el traje de Han Solo a los 72 años, fue el gran ausente, debido al accidente que tuvo a principios de marzo durante un aterrizaje de emergencia con su avión.

Seguro que es una coincidencia, pero en la última escena del tráiler aparece Ford y en la primera una nave espacial que se ha estrellado.

Rodada en parte en el emirato de Abu Dhabi, Abrams describe la saga como una mezcla de western y cuento infantil. El director contó en Anaheim que descubrió las películas de La guerra de las galaxias a los 11 años y le impresionó lo emocionantes y esperanzadoras que eran.

Star Wars es una de las sagas cinematográficas más conocidas y más lucrativas de la historia del cine y cuenta con una enorme comunidad de fans.

Después de las tres primeras películas en los años 70 y 80, su creador, George Lucas, rodó a partir de 1999 otras tres entregas en las que quiso abordar la historia previa. Diez años después de Star Wars: episodio III - Revenge of the Sith, llega a los cines en diciembre la séptima entrega.

La Jornada
17/04
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Money James Franco trata de superar 'The Interview'

Franco tiene tres películas exhibiéndose en Park City esta semana: Dos en el festival de Sundance y uno en el Slamdance, el festival aún más independiente que se realiza en la misma ciudad. El actor James Franco está tratando de dejar la película The Interview, a dos meses de que ésta fuera víctima de ataques cibernéticos, presuntamente orquestados por el gobierno de Corea del Norte.  El incansable y multidisciplinario artista ha hecho un intento loable por cambiar el foco de la atención.

El actor James Franco está tratando de dejar la película The Interview, a dos meses de que ésta fuera víctima de ataques cibernéticos, presuntamente orquestados por el gobierno de Corea del Norte.  

El incansable y multidisciplinario artista ha hecho un intento loable por cambiar el foco de la atención. Franco tiene tres películas exhibiéndose en Park City esta semana: Dos en el festival de Sundance y uno en el Slamdance, el festival aún más independiente que se realiza en la misma ciudad? pero las circunstancias dramáticas que rodean a The Interview siguen siendo lo único de lo que la gente quiere hablar incluso aunque insiste que "se acabó".

Sundance parecería estar a años luz del escándalo de Sony y la intriga de Hollywood, pero The Interview, que se estrenará el próximo jueves en cines comerciales de México, es una sombra de la que el equipo de Franco estaba consciente.

El sábado en la alfombra roja de "True Story", a los reporteros se les advirtió que el actor sería retirado si se le hacían preguntas de otro tema.

"Se puso demasiada atención a eso", dijo Franco sobre la película boicoteada por hackers tras su primera función de "Yosemite" en Slamdance.

"Eso estuvo realmente fuera de mis manos. No había nada que pudiera hacer. No estaba tomando ninguna decisión. Sony estaba tomando las decisiones así que yo simplemente estaba sentado y esperando que la película saliera de una forma u otra", dijo cuando le preguntaron sobre esa experiencia.

A comienzos de febrero el FBI reveló más pistas que relacionan a Corea del Norte con el grave ciberataque a Sony. Miles de correos de temas delicados y números de seguridad social de los empleados fueron divulgados en él.

The Interview, que retrata un complot de asesinato contra el líder norcoreano Kim Jong Un, quedó en medio de la controversia cuando los hackers amenazaron con emprender ataques contra las personas que la fueran a ver a los cines la víspera de Navidad.

Aunque Franco admite que se sintió desilusionado cuando las principales cadenas de cines de Estados Unidos decidieron retirar la película ante las amenazas, al final de cuentas quedó satisfecho con la forma en la que se manejó la situación. Sony canceló en un principio el estreno, pero después logró presentarla en 300 cines independientes, en plataformas digitales y de video a la carta.

"Así que muchas de las cosas que ocurrieron fueron inesperadas e inauditas. Para la gente de Sony, la prensa, las cadenas de cines, el gobierno, todo era nuevo. Creo que todos respondieron de la mejor manera que pudieron", dijo.

Por lo menos algo bueno salió de la situación.

El debacle de The Interview sirvió para fortalecer su amistad con el director de la cinta? su compañero de elenco y viejo colaborador Seth Rogen. Los dos trabajan actualmente en la adaptación del libro "The Disaster Artist", en la que Franco será director y Rogen productor.

"En algún momento me escribió un mensaje de texto en el que dijo 'me da gusto que seas tú la persona con la que estoy pasando por todo esto''', dijo Franco, con una gran sonrisa.

En Sundance, el actor prefirió enfocarse en sus proyectos actuales. Durante una sesión de preguntas y respuestas del jueves dijo que incluso pudo haber presentado más películas, pues estaba trabajando en unas siete que planeaba llevar a Sundance.

Las que seleccionó finalmente son tan diversas como su carrera, dos están basadas en hechos reales y son dramas sobre identidades obscuras: "True Story" y "I am Michael", la tercera, "Yosemite", está basada en sus cuentos y parcialmente inspirada en su infancia en Palo Alto. Las tres cintas fueron dirigidas por directores debutantes.

En "I Am Michael", que se estrenó el jueves en Sundance, Franco retrata al exactivista gay Michael Glatze quien renunció a su sexualidad y se dedicó a Dios.

James Franco dijo que le gusta esa historia porque explora cuestiones de identidad y sexualidad.

"¿Se trata de algo adoptado o de algo natural o por qué permitimos que alguien tome esas decisiones?", dijo. "Creo que esta película abarca esos asuntos de una manera muy interesante en la que permite que la gente hable sobre esto e impulsa la discusión de una manera muy saludable".

En "True Story", Franco interpreta a Christian Longo, un homicida convicto y uno de los hombres más buscados por el FBI quien entabla una extraña amistad con el periodista caído en desgracia Michael Finkel, interpretado por el compañero de elenco de Franco en "This is the End", Jonah Hill.

"Es una historia obscura, obscura, en la que el mundo a expulsado a estos dos tipos y ellos se encuentran en esta burbuja de confesiones ... se necesita un poco de esfuerzo para superar las barreras de comprometerse con estos personajes por estas circunstancias ... creo que mi relación con Jonah ayuda a que la gente se involucre porque nos conocen de películas más divertidas y hay algunos vestigios de eso", señaló.

Finalmente, "Yosemite", la película de Slamdance, hizo que Franco pusiera totalmente manos a la obra: escribió las historias que la inspiraron y produjo el largometraje final (para el cual eligió a Gabrielle Demeestere como directora)? además tiene el papel más pequeño de las películas que presenta en Park City.

En una de tres viñetas, Franco interpreta a un padre que lleva a sus dos hijos a explorar ese parque nacional, algo que hizo su propio padre con él y su hermano hace años.

"Fueron a todos los lugares a donde me había llevado mi padre", dijo Franco. "Ahora lo estaba viendo a través de los ojos de mi padre, era raro".

Los estrenos se realizarán con una semana de diferencia y Franco dijo que todos pensaron que se iría a su casa y regresaría, pero en vez de eso se quedó para disfrutar de los festivales.

"Dije 'no, quiero ver las películas'. Después me di cuenta que lo que más quería hacer era ver películas. Así que se me ocurrió un maratón de películas y vi seis en un día".

De hecho es casi imposible no encontrarse a James Franco en la ciudad o en una función. De "The Witch" a "Kurt Cobain: Montage of Heck", donde estaba moviendo su cabeza al ritmo de las canciones de Nirvana, para el jueves por la noche había visto unas 32 películas incluyendo las suyas.

"Hay una energía juvenil", dijo Franco. "Me encanta estar aquí".

El Financiero
17/04
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Tech Pedro Infante, a 58 años de su muerte

El 19 de abril, en la Asociación Nacional de Charros, también habrá rendirán tributo al intérprete nacido el 18 de noviembre de 1917 en Mazatlán, Sinaloa.Pedro Infante Cruz, protagonista de películas como "Nosotros los pobres" , "Los tres García" y "La oveja negra" , falleció el 15 de abril de 1957 en un accidente aéreo. El 17 de abril, en el recién inaugurado Centro Cultural Nacional "Pedro Infante" , en Cuajimalpa de Morelos, se llevará a cabo un festejo más por su aniversario luctuoso.

El actor y cantante Pedro Infante, considerado un ícono en la cultura popular mexicana al protagonizar filmes en la Época de Oro como "Nosotros los pobres" y "Los tres García" , será recordado, a 58 años de su fallecimiento, con diversos homenajes y una gira con el "Holograma Tour" . Como ya es tradición, en el Panteón Jardín se llevará a cabo este miércoles una verbena popular, la cual será amenizada por Humberto y Fernando Cravioto, así como Diana y Rafael Negrete.Asimismo, se le rendirá un homenaje en La Cueva, de Rodrigo de la Cadena, donde Claudia Sierra, Fernando Cravioto y Rafael Negrete, cantarán los temas que inmortalizó "El ídolo del Pueblo" . Hace unos días, se presentó en San Antonio, Texas, el "Holograma Tour" , en el que Pedro Infante canta por espacio de una hora, y se puede ver con diferentes trajes. El 17 de abril, en el recién inaugurado Centro Cultural Nacional "Pedro Infante" , en Cuajimalpa de Morelos, se llevará a cabo un festejo más por su aniversario luctuoso. Ese mismo día, en punto de las 9:00 horas, escuadrones de la Confederación Internacional de Motociclistas Oficiales y Policías de Caminos, partirán del Ángel de la Independencia, al Deportivo Eduardo Molina, donde habrá números musicales para recordar las canciones que inmortalizó el de Guamúchil, además de ballets folclóricos. El 19 de abril, en la Asociación Nacional de Charros, también habrá rendirán tributo al intérprete nacido el 18 de noviembre de 1917 en Mazatlán, Sinaloa.Pedro Infante Cruz, protagonista de películas como "Nosotros los pobres" , "Los tres García" y "La oveja negra" , falleció el 15 de abril de 1957 en un accidente aéreo. Viajaba como copiloto de un B-24 Liberator, mismo que partió de Mérida, Yucatán, con destino a la Ciudad de México, pero se desplomó poco después de despegar.El actor nació en el seno de una familia humilde, su padre Delfino Infante García fue músico y su madre María del Refugio Cruz Aranda, costurera. Tuvo además, ocho hermanos.A partir de los siete años, vivió en Guamúchil, Sinaloa, donde se crío, motivo por el cual es conocido como "El Ídolo de Guamúchil" . Hacia 1932, se integró a la Orquesta Estrella de Culiacán y, en 1939, emigró a la Ciudad de México, donde obtuvo un contrato con la XEW, para después brillar en el cine.Tras su primera reunión con el director Ismael Rodríguez en "Escándalo de estrellas" (1944) , llegaron varios títulos como "Nosotros los pobres" , para que la figura de Infante se incluyera en la historia del cine mexicano. A partir de ese momento, sus filmes y canciones se afincaron en el corazón de la gente.De este modo, se convirtió en el actor y cantante más famoso de esa etapa del cine nacional, al participar en películas como "Cuando lloran los valientes" (1945) , "Soy charro de rancho grande" (1947) , "También de dolor se canta" (1950) , "¿Qué te ha dado esa mujer?" (1951) , "El inocente" (1955) , "El mil amores" (1957) y "¡Viva mi desgracia!" (1943) . "Los tres García" y "Vuelven los García" , ambas en 1946, "Cartas marcadas" (1947) , "Dicen que soy mujeriego" (1948) , "La mujer que yo perdí" (1949) , "El gavilán pollero" (1950) , "El enamorado" (1951) y "Los hijos de María Morales" (1952) , son algunas de las películas que protagonizó.Pero, sobre todo, el actor y cantante se volvió un ícono de México por su actuación en la trilogía: "Nosotros los pobres" , "Ustedes los ricos" (1948) y "Pepe El Toro" (1952) .Por la película "Tizoc" (1956) , en la que participó a lado de María Félix, ganó el Oso de Oro como mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín, y el Globo de Oro a mejor película extranjera. Entre sus producciones más recordadas también se pueden citar: "Los tres huastecos" (1948) , "¡A toda máquina!" (1951) , "Un rincón cerca del cielo" (1952) , "Escuela de vagabundos" (1954) , "Pablo y Carolina" (1955) y "Dos tipos de cuidado" (1952) .Algunas de sus canciones más reconocidas y aún vigentes son: "Amorcito corazón" , "Dicen que soy mujeriego" , "Cielito lindo" , "Despierta" , "¿Qué te ha dado esa mujer?" , "Carta a Eufemia" , "Cien años" y "Yo no fui" , por citar algunas. Sobre su vida sentimental, se sabe que se casó una sola ocasión, y fue con María Luisa León, aunque tuvo otras parejas, entre ellas Lupita Torrentera, con quien procreó tres hijos; Graciela Margarita, Pedro y Lupita. En 1939, inició una relación con la actriz Irma Dorantes, con la que tuvo otra hija llamada Irma.Durante su carrera, obtuvo también un Ariel por parte de la Academia Mexicana de Cinematografía, en la categoría de Mejor Actor por su papel en "La vida no vale nada" (1954) . Entre los numerosos homenajes a los que ha sido objeto, su sobrino José Ernesto Infante Quintanilla publicó el libro "Pedro Infante, el ídolo inmortal" , el cual contiene una serie de anécdotas familiares nunca antes contadas, así como fotografías inéditas. Asimismo, para celebrar su 50 aniversario luctuoso, salió a la venta una recopilación de los éxitos de Pedro, misma que incluyó "Amorcito corazón" y "Las mañanitas" . También se lanzó un tequila conmemorativo, un timbre postal y algunos libros biográficos.De igual forma, en 2007, con motivo de la magna celebración del natalicio número 90 del intérprete, una marca de herramientas lanzó al mercado un taladro con su nombre. Dos años después, fue homenajeado en Zacatecas con música, conferencias y otras actividades, además de la muestra de 250 objetos y prendas que pertenecieron al sinaloense.Para 2011, fue recordado con la exposición "El Séptimo Arte en papel" , montada en el Sistema de Transporte Colectivo Metro; carteles de películas mexicanas de diferentes épocas, vistieron durante todo un mes la estación Centro Médico. Entre las imágenes, se encontraba la del filme "Gitana tenías que ser" (1953) , dirigida por Rafael Baledón, que protagonizó al lado de la española Carmen Sevilla. Celebridades como Mario Moreno "Cantinflas" , El Santo, Mauricio Garcés, Arturo de Córdova, Silvia Pinal e Ignacio López Tarso, por mencionar algunos, también aparecieron en los rótulos de dicha exhibición.En 2012, fue recordado con la salida de un disco inédito en vivo, resultado del último concierto que ofreció el cantante en Lima, Perú. También salió al mercado un CD de homenaje que se grabó en el estadio de los Dorados de Sinaloa y en el que participaron Lila Downs, Lucero, Pepe Aguilar, Edith Márquez, Raphael, Eugenia León, Nelson Ned, A.B. Quintanilla III y Los Kumbia All Starz, Jorge Muñiz, Pablo Montero, Chetes, Shaila Dúrcal, Moderatto, Aleks Syntek, La Rondalla de Saltillo y Mijares.Hace dos años, en 2013, se dio a conocer que la figura de "El Ídolo de Guamúchil" sería inmortalizada con la construcción de un museo en su honor en la demarcación política de Cuajimalpa, Distrito Federal.Por otro lado, Infante fue objeto de un homenaje el 15 de septiembre de ese mismo año en Las Vegas, Nevada, además de que le fue otorgado el galardón "Diamante" . La Asociación Internacional de Prensa, Radio y Televisión de Las Vegas, rindió tributo al fallecido intérprete de "Despierta" , dentro del marco de las fiestas patrias, donde coronaron a su hija Lupita Infante, como "Reina de las Fiestas Patrias Las Vegas 2013" .En 2014, se dio a conocer que existe el proyecto de una película en la que el ícono mexicano "revivirá" gracias a las nuevas tecnologías. Para consolidarlo, se utilizará la más alta tecnología en cómputo.Diversos empresarios extranjeros, tanto estadunidenses como europeos, han solicitado permiso para utilizar la imagen de Infante, que será revivida en formato 3D, a través de un programa de software. 

El actor y cantante Pedro Infante, considerado un ícono en la cultura popular mexicana al protagonizar filmes en la Época de Oro como "Nosotros los pobres" y "Los tres García" , será recordado, a 58 años de su fallecimiento, con diversos homenajes y una gira con el "Holograma Tour" .

Como ya es tradición, en el Panteón Jardín se llevará a cabo este miércoles una verbena popular, la cual será amenizada por Humberto y Fernando Cravioto, así como Diana y Rafael Negrete.

Asimismo, se le rendirá un homenaje en La Cueva, de Rodrigo de la Cadena, donde Claudia Sierra, Fernando Cravioto y Rafael Negrete, cantarán los temas que inmortalizó "El ídolo del Pueblo" .

Hace unos días, se presentó en San Antonio, Texas, el "Holograma Tour" , en el que Pedro Infante canta por espacio de una hora, y se puede ver con diferentes trajes.

El 17 de abril, en el recién inaugurado Centro Cultural Nacional "Pedro Infante" , en Cuajimalpa de Morelos, se llevará a cabo un festejo más por su aniversario luctuoso.

Ese mismo día, en punto de las 9:00 horas, escuadrones de la Confederación Internacional de Motociclistas Oficiales y Policías de Caminos, partirán del Ángel de la Independencia, al Deportivo Eduardo Molina, donde habrá números musicales para recordar las canciones que inmortalizó el de Guamúchil, además de ballets folclóricos.

El 19 de abril, en la Asociación Nacional de Charros, también habrá rendirán tributo al intérprete nacido el 18 de noviembre de 1917 en Mazatlán, Sinaloa.

Pedro Infante Cruz, protagonista de películas como "Nosotros los pobres" , "Los tres García" y "La oveja negra" , falleció el 15 de abril de 1957 en un accidente aéreo. Viajaba como copiloto de un B-24 Liberator, mismo que partió de Mérida, Yucatán, con destino a la Ciudad de México, pero se desplomó poco después de despegar.

El actor nació en el seno de una familia humilde, su padre Delfino Infante García fue músico y su madre María del Refugio Cruz Aranda, costurera. Tuvo además, ocho hermanos.

A partir de los siete años, vivió en Guamúchil, Sinaloa, donde se crío, motivo por el cual es conocido como "El Ídolo de Guamúchil" . Hacia 1932, se integró a la Orquesta Estrella de Culiacán y, en 1939, emigró a la Ciudad de México, donde obtuvo un contrato con la XEW, para después brillar en el cine.

Tras su primera reunión con el director Ismael Rodríguez en "Escándalo de estrellas" (1944) , llegaron varios títulos como "Nosotros los pobres" , para que la figura de Infante se incluyera en la historia del cine mexicano. A partir de ese momento, sus filmes y canciones se afincaron en el corazón de la gente.

De este modo, se convirtió en el actor y cantante más famoso de esa etapa del cine nacional, al participar en películas como "Cuando lloran los valientes" (1945) , "Soy charro de rancho grande" (1947) , "También de dolor se canta" (1950) , "¿Qué te ha dado esa mujer?" (1951) , "El inocente" (1955) , "El mil amores" (1957) y "¡Viva mi desgracia!" (1943) .

"Los tres García" y "Vuelven los García" , ambas en 1946, "Cartas marcadas" (1947) , "Dicen que soy mujeriego" (1948) , "La mujer que yo perdí" (1949) , "El gavilán pollero" (1950) , "El enamorado" (1951) y "Los hijos de María Morales" (1952) , son algunas de las películas que protagonizó.

Pero, sobre todo, el actor y cantante se volvió un ícono de México por su actuación en la trilogía: "Nosotros los pobres" , "Ustedes los ricos" (1948) y "Pepe El Toro" (1952) .

Por la película "Tizoc" (1956) , en la que participó a lado de María Félix, ganó el Oso de Oro como mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín, y el Globo de Oro a mejor película extranjera.

Entre sus producciones más recordadas también se pueden citar: "Los tres huastecos" (1948) , "¡A toda máquina!" (1951) , "Un rincón cerca del cielo" (1952) , "Escuela de vagabundos" (1954) , "Pablo y Carolina" (1955) y "Dos tipos de cuidado" (1952) .

Algunas de sus canciones más reconocidas y aún vigentes son: "Amorcito corazón" , "Dicen que soy mujeriego" , "Cielito lindo" , "Despierta" , "¿Qué te ha dado esa mujer?" , "Carta a Eufemia" , "Cien años" y "Yo no fui" , por citar algunas.

Sobre su vida sentimental, se sabe que se casó una sola ocasión, y fue con María Luisa León, aunque tuvo otras parejas, entre ellas Lupita Torrentera, con quien procreó tres hijos; Graciela Margarita, Pedro y Lupita. En 1939, inició una relación con la actriz Irma Dorantes, con la que tuvo otra hija llamada Irma.

Durante su carrera, obtuvo también un Ariel por parte de la Academia Mexicana de Cinematografía, en la categoría de Mejor Actor por su papel en "La vida no vale nada" (1954) .

Entre los numerosos homenajes a los que ha sido objeto, su sobrino José Ernesto Infante Quintanilla publicó el libro "Pedro Infante, el ídolo inmortal" , el cual contiene una serie de anécdotas familiares nunca antes contadas, así como fotografías inéditas.

Asimismo, para celebrar su 50 aniversario luctuoso, salió a la venta una recopilación de los éxitos de Pedro, misma que incluyó "Amorcito corazón" y "Las mañanitas" . También se lanzó un tequila conmemorativo, un timbre postal y algunos libros biográficos.

De igual forma, en 2007, con motivo de la magna celebración del natalicio número 90 del intérprete, una marca de herramientas lanzó al mercado un taladro con su nombre. Dos años después, fue homenajeado en Zacatecas con música, conferencias y otras actividades, además de la muestra de 250 objetos y prendas que pertenecieron al sinaloense.

Para 2011, fue recordado con la exposición "El Séptimo Arte en papel" , montada en el Sistema de Transporte Colectivo Metro; carteles de películas mexicanas de diferentes épocas, vistieron durante todo un mes la estación Centro Médico. Entre las imágenes, se encontraba la del filme "Gitana tenías que ser" (1953) , dirigida por Rafael Baledón, que protagonizó al lado de la española Carmen Sevilla.

Celebridades como Mario Moreno "Cantinflas" , El Santo, Mauricio Garcés, Arturo de Córdova, Silvia Pinal e Ignacio López Tarso, por mencionar algunos, también aparecieron en los rótulos de dicha exhibición.

En 2012, fue recordado con la salida de un disco inédito en vivo, resultado del último concierto que ofreció el cantante en Lima, Perú. También salió al mercado un CD de homenaje que se grabó en el estadio de los Dorados de Sinaloa y en el que participaron Lila Downs, Lucero, Pepe Aguilar, Edith Márquez, Raphael, Eugenia León, Nelson Ned, A.B. Quintanilla III y Los Kumbia All Starz, Jorge Muñiz, Pablo Montero, Chetes, Shaila Dúrcal, Moderatto, Aleks Syntek, La Rondalla de Saltillo y Mijares.

Hace dos años, en 2013, se dio a conocer que la figura de "El Ídolo de Guamúchil" sería inmortalizada con la construcción de un museo en su honor en la demarcación política de Cuajimalpa, Distrito Federal.

Por otro lado, Infante fue objeto de un homenaje el 15 de septiembre de ese mismo año en Las Vegas, Nevada, además de que le fue otorgado el galardón "Diamante" .

La Asociación Internacional de Prensa, Radio y Televisión de Las Vegas, rindió tributo al fallecido intérprete de "Despierta" , dentro del marco de las fiestas patrias, donde coronaron a su hija Lupita Infante, como "Reina de las Fiestas Patrias Las Vegas 2013" .

En 2014, se dio a conocer que existe el proyecto de una película en la que el ícono mexicano "revivirá" gracias a las nuevas tecnologías. Para consolidarlo, se utilizará la más alta tecnología en cómputo.

Diversos empresarios extranjeros, tanto estadunidenses como europeos, han solicitado permiso para utilizar la imagen de Infante, que será revivida en formato 3D, a través de un programa de software.

 

El Universal
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People La radio ya no es necesaria, destaca Sandra Echeverría - Grupo Milenio

“Me llamó hace poco y me propuso el proyecto, con todo y panza, yo feliz porque prefiero estar activa que picándome los ojos en la casa.- “Estamos en ensayos con Iván Sánchez, Mariana Treviño y Cecilia Toussaint, en teatro.La obra habla sobre un actor de telenovelas que se ciega por la fama”, dijo.

La escena de la música independiente recibe a Sandra Echeverría con un álbum de siete temas de su autoría, que lanza en plataformas digitales, a fin de conectar con un público que no necesariamente es el de la radio, pues hoy en día “la gente conecta con la música de otra forma”.

“Este disco es para las diez personas que me quieran escuchar por iTunes, Google Play, Spotify; hoy la radio ya no es necesaria, la gente se acerca a la música de una forma distinta, a través de las nuevas tecnologías”, dijo en entrevista Sandra Echeverría, quien lanzó su álbum.

Un tanto decepcionada de los procedimientos de las disqueras y las radiodifusoras, dio paso a un disco de manera independiente, De mi puño y letra, el cual tomó forma en los tiempos libres de los últimos rodajes de películas en los que participó.

“Me alejé de la música después de querer sacar un disco con Sony y darme cuenta que la disquera no hacía nada, perdí la ilusión, sé que esto es un pasatiempo anexo a mi carrera como actriz, pero es algo que no suelto, incluso cuando hago películas”, dijo Sandra.

“Me llevaba mi guitarra a las filmaciones de películas, con Cambio de ruta me tocó mucho de este proceso; gente cercana me animó a sacar un disco y no tenerlo guardado en la computadora, así que será un material para redes sociales y plataformas digitales”, agregó.

Echeverría compone temas para otros cantantes como Maité Perroni y Michael Carreiras, pero decidió que los temas serían para darse el gusto de lanzar un disco en la red: “Me animé a sacar el disco de manera independiente, sin ataduras”, dijo.

Y es que la payola es un tema que la conflictúa: “No tengo necesidad de una disquera y no voy a meter el disco a radio, ni nada de esas cosas porque odio la payola, es una mafia en el mundo de la radio a la que no le pienso entrar, no creo que se necesite la radio”.

De mi puño y letra se desprende el tema “Cobarde”, que se promociona como el sencillo en las redes sociales de la también actriz, y en iTunes, Google Play y Spotify.

Claves

Nuevo proyecto

- Sandra Echeverría se encuentra en ensayos de la puesta en escena Nunca es tarde para hablar francés, historia que dirigirá Manolo Caro, con quien filmó Amor de mis amores.

“Me llamó hace poco y me propuso el proyecto, con todo y panza, yo feliz porque prefiero estar activa que picándome los ojos en la casa.

- “Estamos en ensayos con Iván Sánchez, Mariana Treviño y Cecilia Toussaint, en teatro.La obra habla sobre un actor de telenovelas que se ciega por la fama”, dijo.

Milenio
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