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People Arts Sports Money Cine de terror como 'Annabelle', un desahogo para adolescentes: experto

"Es un período en el que se necesitan experiencias fuertes y entonces mejor verlas en el cine, en total seguridad".Alex Lefebvre no alienta a ver películas de terror, pero tampoco preconiza prohibirlas.Los videos o imágenes en internet sacados de la realidad, ya sean fotos de chicas adolescentes desnudas distribuidas sin su consentimiento o escenas de violencia real, "son mucho más impactantes", advierte.

París. El ruidoso estreno de Annabelle y de la versión remasterizada de La masacre de Texas demuestran que las películas de terror siguen teniendo su público, sobre todo entre los más jóvenes.

Cuarenta años después de su creación --y de su inmediato retiro de las pantallas en varios países--, la motosierra de Texas vuelve a aterrorizar y deleitar a los fans de este filme de culto dirigido en 1974 por Tobe Hooper.

"Los adolescentes adoran todo lo que es tabú, prohibido o aterrador, porque eso les recuerda la angustia de lo desconocido y el misterio de la edad que atraviesan", destaca Tom Nunan, profesor de la UCLA School of Theatre Film and Televisión de Los Ángeles. "Es un desahogo perfecto para los terrores que genera la adolescencia".

"El tema es asustarse para dejar de tener miedo", explica Alex Lefebvre, profesor de psicología clínica de la facultad de Bruselas. "Es como si les permitiese prepararse a ver situaciones horribles".

"La mayoría de la gente sabe diferenciar entre ficción y realidad", agrega el profesor. "Esa frontera puede ser más porosa en la adolescencia pero los jóvenes frágiles rara vez van a ver películas de terror", un pasatiempo practicado a menudo en grupo "en el que cada cual actúa de apoyo para el otro".

Los incondicionales de las películas de terror interrogados evocan por su parte el placer de tener miedo "en total seguridad" y la diversión que les aportan ese tipo de filmes.

Alexandre Prot, de 32 años, creador de un sitio especializado en internet, menciona por su parte "un sentimiento de miedo que no se puede experimentar en ninguna otra parte en nuestras vidas --al menos eso esperamos-- sensaciones extraordinarias, un poco como las montañas rusas, un pico de adrenalina".

Todo sin correr riesgos, en el confort de las salas de cine o de su sofá frente a un DVD.

Momento de comunión

Jack Parker, seudónimo de la animadora de 27 años de un blog sobre filmes de terror, dice que siempre va en grupo al cine y que le encanta juntarse con la comunidad del género (directores, actores, admiradores) en los festivales.

Durante la proyección de REC, una de las películas de terror más famosas de la última década realizada por los españoles Paco Plaza y Jaume Balaguero (2007), "todo el mundo dejaba de respirar o gritaba al mismo tiempo en la sala", recuerda Alexandre Prot, que evoca un momento de "comunión".

Annabelle, de calidad muy mediocre según los fans, tuvo que ser retirada de las salas en Francia porque los adolescentes llegados en bandas al cine perturbaban las proyecciones gritando, arrojando palomitas de maíz y provocando otros disturbios.

Las películas de terror "nos ponen frente a nuestros miedos y nuestras pesadillas y es por eso que a veces desencadenan risas. Es un desahogo", dice Laurent Aknin, autor de un libro sobre el género.

Según él, las películas de terror o el heavy metal no traumatizan a los adolescentes y menos aún los convierte en potenciales asesinos. "Es un período en el que se necesitan experiencias fuertes y entonces mejor verlas en el cine, en total seguridad".

Alex Lefebvre no alienta a ver películas de terror, pero tampoco preconiza prohibirlas.

Los videos o imágenes en internet sacados de la realidad, ya sean fotos de chicas adolescentes desnudas distribuidas sin su consentimiento o escenas de violencia real, "son mucho más impactantes", advierte. "Allí ya no está el parachoque de la ficción" y son mucho más destructivas para el psiquismo de un individuo.

"La realidad nos reserva cosas mucho más terribles", remata Alexandre Prot.

 

La Jornada
24/10
19 Puntos
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Arts La escenografía que marcó los años dorados del cine

Desde hace unas semanas, el Centro de Documentación de la Filmoteca de la UNAM posee 288 planos y dibujos que este escenógrafo realizó para crear el ambiente, escenografía y vestuario de películas como María Magdalena, de Miguel Contreras Torres; Sobre las olas, de Ismael Rodríguez (primer largometraje mexicano a colores); En la palma de tu mano, de Roberto Gavaldón y hasta Santo vs. Actualmente se trabaja en la catalogación y registro fotográfico del acervo.

[email protected] Después de la muerte de su abuelo Francisco Marco Chilet (Valencia, España, 1900- México D.F., 1979), Ramón Álvarez Larrauri y sus hermanas descubrieron en un estudio de Tacubaya un baúl que contenía un valioso acervo fílmico: planos escenográficos, bocetos decorativos, diseños de muebles y vestuario de películas de la llamada época de oro del cine mexicano. Ese material gráfico, elaborado por el artista plástico y escenógrafo valenciano exiliado en México, quien produjo la escenografía de más de 150 películas, entre rancheras, históricas, de ficción y cómicas, desde 1945 hasta 1970, permaneció por mucho tiempo resguardado en manos de la familia. Hace unos años, mientras la historiadora de arte Elisa Lozano realizaba una investigación para documentar el trabajo casi desconocido de los escenógrafos del cine mexicano, tuvo acceso a los materiales conservados en ese baúl verde que, hasta entonces, eran un archivo muerto para la familia. Desde hace unas semanas, el Centro de Documentación de la Filmoteca de la UNAM posee 288 planos y dibujos que este escenógrafo realizó para crear el ambiente, escenografía y vestuario de películas como María Magdalena, de Miguel Contreras Torres; Sobre las olas, de Ismael Rodríguez (primer largometraje mexicano a colores); En la palma de tu mano, de Roberto Gavaldón y hasta Santo vs. la invasión de los marcianos, de Alfredo B. Crevenna. Esos planos y dibujos que permanecieron minuciosamente resguardados "como si se hubieran hecho ayer", explica Lozano, conforman un valioso material que abre la posibilidad de conocer el trabajo de uno de los precursores de la dirección artística en el cine mexicano, una labor que apenas comienza a revalorarse. A unos días de su llegada, personal de la Filmoteca ha comenzado el proceso de catalogación e identificación del acervo que fue donado por la familia y que próximamente estará a disposición de los investigadores. Óptimas condiciones. De acuerdo con Antonia Rojas Ávila, jefa del Departamento de Documentación de la Filmoteca, los materiales se encuentran en excelente estado de conservación, por lo que no necesitará de mayores trabajos de restauración. "Los planos están impecables, en folders y guardas de propileno que han permitido que los materiales se conserven de manera excepcional", dice. Actualmente se trabaja en la catalogación y registro fotográfico del acervo. Lo siguiente será digitalizarlo para ponerlo a disposición del público. La revisión e identificación de ese acervo apenas inicia, pero ya comienzan a hallarse planos y dibujos valiosos, comenta Rojas Ávila. Entre estos destacan los diseños de las sillas que utiliza Medea de Novara en la película María Magdalena, de Miguel Contreras Torres, y algunos dibujos de columnas arquitectónicas o accesorios para películas de corte histórico. "Su trabajo resulta muy importante porque crea los ambientes que aún quedan en el imaginario de los mexicanos y es muy rico porque va de un género a otro sin ningún problema. Con las películas de El Santo, por ejemplo, diseñó todos los focos coloridos, las computadoras, los discos que dan vueltas, toda esa ambientación que vimos en esas películas", comenta Antonia Rojas Ávila. La historiadora Elisa Lozano, quien está por publicar su libro electrónico Escenógrafos y directores de arte del cine mexicano. Hacia la recuperación de una plástica perdida y ha sido hasta ahora la única investigadora que ha tenido acceso a los archivos de Marco Chilet, comenta que el material donado a la Filmoteca de la UNAM permitirá ampliar la historia sobre la escenografía y la dirección artística, esa parte técnica del séptimo arte que ha sido poco estudiada por los investigadores del cine mexicano. "Su archivo abre la posibilidad para revalorar a los técnicos del cine. Por lo general, los investigadores se ocupan de los directores, de los protagonistas, últimamente de los cinefotógrafos, pero creo que hay cierto desprecio u omisión por los técnicos, siendo que en el cine todos los elementos son muy importantes: los vestuaristas, los músicos, los escenógrafos", lamenta Lozano. Esa colección, añade la historiadora, "da cuenta de la precisión en la manera de trabajar, las formas de producción, los materiales que se utilizaban y todo lo que tenía que ver el escenógrafo". La también autora del libro ¡Luces, cámara, acción! Cinefotógrafos del cine mexicano, 1931-2010, también destaca el hecho de que el material de Marco Chilet, incluso algunas maquetas, haya sobrevivido ya que mucho de los planos o dibujos para la escenografía de las películas no se conservaban porque normalmente se les entregaba al departamento de construcción. Sin embargo, Chilet, quien fue discípulo de Sorolla en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, en Valencia, y se exilió en México en 1940 luego de permanecer dos años en un campo de concentración en Francia, tuvo el cuidado de guardar todos sus planos, dibujos y maquetas. Y es que una de las características de Marco Chilet, recuerda su nieto Ramón Álvarez Larrauri, es que era un artista y arquitecto que se preocupaba por conservar sus bocetos. Entre las maquetas que la familia conserva está, por ejemplo, la que realizó para el diseño del mercado de Tlatelolco y que actualmente se exhibe en el Museo Nacional de Antropología. Álvarez Larrauri asegura que además de realizar escenografía para cine, su abuelo también produjo pinturas, dibujos y murales que hasta ahora no han podido localizar.

"Sabemos que hizo como 400 cuadros al óleo, algunos fueron regalados, otros vendidos, pero no los tenemos identificados. Hizo tres murales que tampoco sabemos si sobreviven o si se destruyeron", comenta Ramón Álvarez Larrauri. Agrega que ahora el objetivo principal de la familia es revalorar la obra de Chilet con la ayuda de los investigadores. jram

El Universal
21/10
18 Puntos
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People Arts Money Sports “Mis películas son mi diario abierto”, dice Amos Gitai en FIC de Morelia

Formado como arquitecto, emprendió desde pequeño una búsqueda de nuevos métodos estéticos que han impreso el sello particular estilístico y temático de su obra.

Morelia, Mich. En el marco de las actividades del doceavo Festival Internacional de Cine de Morelia, el cineasta Amos Gitai dijo que en el proyecto Hablando con dioses, la película coral donde él es uno de los directores invitados, Guillermo Arriaga: "Me llamó para invitarme y le dije que no estaba interesado porque no soy creyente, pero no estaba del todo convencido, así que le dije que me hablara al otro día. Me habló y le dije que quería hacer algo de Amos, el primer profeta hebreo, que es el nombre que mi padre eligió para ponerme".

El célebre realizador israelí, cuya obra incluye más de 80 títulos creados a lo largo de 43 años, así como numerosos reconocimientos y retrospectivas en los museos y festivales más importantes a nivel internacional, confesó que en la charla recordó que alguien le dijo que le recordaba a John Huston, él les cuestionó que de qué forma: "no tuvo muchos éxitos comerciales, pero a la gente le encantaba producirle su siguiente película... Esto fue cuando grabé unas secuencias en Estados Unidos para mi película Edén, pero no me siento tentado a cruzar el Atlántico para grabar una película, a menos que tuviera la libertad para hacer algo, sino no me gustaría".

Se le cuestionó si le tomaba mucho tiempo pensar la forma en que le gusta hacer las cosas, Gitai respondió: "Cuando era joven mis amigos me decían por qué tienes la cabeza tan dura. Haz unos proyectos comerciales. Ganas dinero y después haces lo que quieras. Les respondí que por qué no podía ser al revés, déjame empezar lo que yo amo hacer, lo que yo quiero hacer, lo que siento que es necesario hacer y esperemos que en algún momento venga la decadencia cinematográfica de ser determinado, exigente conmigo mismo, así como con la gente con la que trabajas y después hablamos".

Amos Gitai, nacido en 1950, pertenece a la primera generación de niños nacidos tras la creación del Estado de Israel. Formado como arquitecto, emprendió desde pequeño una búsqueda de nuevos métodos estéticos que han impreso el sello particular estilístico y temático de su obra. El trabajo de Amos Gitai se distingue por la utilización de largos planos-secuencia con miras a crear efectos sensoriales; la exploración de la Historia de Medio Oriente a través de temas como la patria, el exilio, la religión, el control social y la utopía; y por sus complejas estructuras dramáticas, como la división asimétrica de Berlín-Jerusalem (1989), el montaje espacial en Alila (2003) y las abruptas rupturas narrativas de Disengagement (2007).

Sobre este tema, sus películas, que a menudo es él, Gitai, su proceso mental, la conexión emocional, sus filiaciones e historia familiar, dijo: "De alguna manera sí soy el sujeto de mis películas. Son mi diario abierto, cada una de mis películas es un capítulo de mi vida... Nunca han resultado problema cuando esto comienza pasar con algún proyecto lo tiro a la basura".

Amos Gitai, adelantó que su siguiente proyecto será sobre una cruenta matanza a principio de los años 90, "una enorme tragedia, pero no me gusta abundar sobre mi próximo proyecto, rara vez hablo de proyectos a futuro hasta que se consolidan".

La Jornada
22/10
16 Puntos

People "Este Drácula es más humano que vampiro": Luke Evans

El actor galés Luke Evans pone rostro a una nueva revisión del mito en "Drácula, la leyenda jamás contada", que inventa un preludio heroico para la historia de Bram Stoker."Este Drácula es más humano que vampiro", explicó a Efe el actor, de 35 años. Madrid, España.- De arquero en "El Hobbit" a un Drácula más caballeroso y musculado que sus precedentes cinematográficos. Me siento afortunado de poder decir esto". Por Magdalena Tsanis/EFE.

Madrid, España.- De arquero en "El Hobbit" a un Drácula más caballeroso y musculado que sus precedentes cinematográficos. El actor galés Luke Evans pone rostro a una nueva revisión del mito en "Drácula, la leyenda jamás contada", que inventa un preludio heroico para la historia de Bram Stoker.

"Este Drácula es más humano que vampiro", explicó a Efe el actor, de 35 años. "No queríamos volver a contar una historia que todo el mundo conoce ya, y que tan bien se ha contado. Aquí se habla más que de Drácula de Vlad, la figura histórica que inspiró la novela".

La historia, ambientada en Transilvania (Rumanía) en el siglo XV, perfila al "príncipe Vlad" como un hombre dispuesto a transformarse en vampiro para salvar a su pueblo de la ofensiva otomana y para defender a su mujer y a su hijo.

"Creo que la película contiene ingredientes para gustar a un público muy amplio", afirmó Evans, que hizo hincapié en que, a diferencia de otras adaptaciones, como la de Francis Ford Coppola, esta, dirigida por el debutante Gary Shore, es apta para menores.

Evans confirmó a un grupo de periodistas las intenciones de Universal, a la espera de ver los resultados en taquilla, de hacer de este Drácula el comienzo de una nueva saga de "héroes monstruos", al estilo Marvel, en la que estarían la Momia", Frankenstein o el Hombre Lobo.

"Espero que salga adelante", señaló. "Por mi parte, si el público quiere ver a Drácula de nuevo, yo estaría feliz de repetir. Es un personaje inmortal, puede aparecer en cualquier lugar, trascender el tiempo. Las posibilidades son infinitas".

Nacido en un pequeño pueblo galés, en el seno de una familia religiosa -fue testigo de Jehová hasta los 16 años-, Evans se ha convertido en los últimos años en una estrella tardía del cine de acción.

Pasó una larga temporada haciendo teatro en el West End londinense antes de presentarse, con 30 años, a su primer cásting cinematográfico en Hollywood para "Clash of the Titans". Después llegaron el "Robin Hood" de Ridley Scott, "The three Musketeers" de Paul W.S. Anderson o la trilogía de "El Hobbit" de Peter Jackson.

"No puedo creer todo lo que he hecho en los últimos seis años, ha sido un auténtico viaje", reflexionó.

"Creo que haber empezado tan tarde tiene más cosas buenas que malas. Cuando hacía teatro podía pasar meses sin trabajar y a duras penas me llegaba para pagar el alquiler. Ahora aprecio más todo lo que tengo y las oportunidades que se me presentan", añadió.

Sobre esa especialización que parece haber asumido en el cine de acción, dijo Evans que se siente "cómodo" con el género "siempre y cuando haya una historia fuerte y emocionante detrás".

No obstante, aseguró estar abierto a otro tipo de proyectos, como "High & Rise", una película británica "de pequeño presupuesto" que acaba de rodar y en la que compartirá protagonismo con Tom Hiddleston, Jeremy Irons y Sienna Miller.

"Controlo mucho cada una de mis elecciones. Los proyectos que estoy barajando ahora no tienen nada que ver con el cine de acción. Pero quién sabe, ahí tienes a Tom Cruise con 50 años y sigue haciendo películas de acción", señaló.

"En un futuro me gustaría hacer películas con temática más contemporánea y, sobre todo, comedia, que es algo que he hecho en teatro pero no en el cine", precisó.

En cuanto al proyecto de hacer una nueva versión de "El Cuervo" con él como protagonista, Evans comentó que aún se está reescribiendo el guión, que ya ha pasado por varias manos. "Creo que en los próximos meses tendremos noticias", adelantó.

Fan de Leonardo di Caprio y de las películas de Steven Spielberg -"Empire of the Sun" es su favorita-, Luke Evans en realidad iba para cantante antes que para actor.

"Me encanta el entretenimiento, son distintas formas de interpretación. De momento ser actor me da lo que quiero. Me siento afortunado de poder decir esto". 

Por Magdalena Tsanis/EFE

Vanguardia
22/10
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People El Hobbit es la trilogía más cara de la historia

Dicha cifra convierte a la trilogía en la más cara de la historia.Documentos financieros presentados este mes en Nueva Zelanda, lugar en el que Jackson ambienta la Tiera Media, muestran que los costos de producción hasta marzo alcanzaron los 934 millones de dólares neozelandeses (unos 745 millones de dólares estadounidenses).

Las dos franquicias de Peter Jackson, El señor de los anillos y El Hobbit, son consideradas importantes fenómenos de taquilla a nivel mundial, con ingresos que supera los mil millones de dólares.No obstante, las últimas tres películas del cineasta, basadas en el libro "El Hobbit" de J.R. Tolkien, superaron los 750 millones de dólares en costos de producción. Dicha cifra convierte a la trilogía en la más cara de la historia.Documentos financieros presentados este mes en Nueva Zelanda, lugar en el que Jackson ambienta la Tiera Media, muestran que los costos de producción hasta marzo alcanzaron los 934 millones de dólares neozelandeses (unos 745 millones de dólares estadounidenses). La cifra debería haber aumentado tras la entrega de dicho informe.A nivel individual las películas no son las más caras de la historia, pues el récord lo tiene hasta ahora Piratas del Caribe: En el fin del mundo, con 300 millones de dólares.

Las estimaciones de Box Office Mojo apuntan a que las dos primeras entregas de El Hobbit recaudaron un total de 1.980 millones de dólares, por lo que ya se recuperó la inversión inicial de las tres cintas. rad

El Universal
21/10
3 Puntos
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People Annabelle recauda 166 millones de dólares

Leonetti ha generado ganancias por 92 millones de dólares a nivel mundial y $74 millones en Estados Unidos."Algo tiene esa muñeca, retribuye de manera increíble la inversión", dijo sobre las ganancias el vicepresidente ejecutivo de distribución de Warner Bros., Jeff Goldstein."Incluso en pueblos pequeños donde hay problemas para exhibir películas para mayores de 14 le ha ido bien", añadió el representante de la empresa en Estados Unidos.  cvtp .

El spin-off de "El conjuro", "Annabelle", se convirtió en una de las películas más rentables del año, al recaudar en menos de 20 días 166 millones de dólares en la taquilla mundial.Los ingresos son altos para Warner Bros.. pues la compañía invirtió sólo $6.7 millones de dólares en el proyecto.La cinta dirigida por John R. Leonetti ha generado ganancias por 92 millones de dólares a nivel mundial y $74 millones en Estados Unidos."Algo tiene esa muñeca, retribuye de manera increíble la inversión", dijo sobre las ganancias el vicepresidente ejecutivo de distribución de Warner Bros., Jeff Goldstein."Incluso en pueblos pequeños donde hay problemas para exhibir películas para mayores de 14 le ha ido bien", añadió el representante de la empresa en Estados Unidos.  cvtp

El Universal
21/10
8 Puntos
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People Revelan costos de la trilogía de ‘El Hobbit’ - Grupo Milenio

A nivel individual, sin embargo, las películas no son las más caras de la historia. Al menos, no todavía.Box Office Mojo y Guinnes World Records estiman que ese honor recae en Piratas del Caribe: Hasta el fin del mundo, que costó 300 millones de dólares.Las estimaciones de Box Office Mojo apuntan a que las dos primeras entregas de "The Hobbit" recaudaron un total de 1.980 millones de dólares.La distribuidora de las cintas, Warner Bros, declinó hacer comentarios.

La trilogía de películas El Hobbit ha costado por ahora casi 750 mil millones de dólares, y la saga épica parece camino de establecer un nuevo récord de gastos de estudios de cine.

Documentos financieros presentados este mes en Nueva Zelanda, donde se están rodando las películas, muestran que los costes de producción hasta marzo alcanzaron los 934 millones de dólares neozelandeses (unos 745 millones de dólares estadounidenses).

Eso deja atrás las facturas de otras producciones anteriores. A nivel individual, sin embargo, las películas no son las más caras de la historia. Al menos, no todavía.

Box Office Mojo y Guinnes World Records estiman que ese honor recae en Piratas del Caribe: Hasta el fin del mundo, que costó 300 millones de dólares.

Las estimaciones de Box Office Mojo apuntan a que las dos primeras entregas de "The Hobbit" recaudaron un total de 1.980 millones de dólares.

La distribuidora de las cintas, Warner Bros, declinó hacer comentarios.

Milenio
21/10
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People Treinta años sin Francois Truffaut

París, Francia.- Se han escrito casi tantos libros sobre Francois Truffaut como películas filmó el cineasta galo. Todo ello para ilustrar una vida dedicada al cine, pues para Truffaut la pantalla no era sólo una huida de la realidad, sino también una terapia.La filmografía de Truffaut muestra un caleidoscópico retrato. Sus refugios fueron la literatura y el cine.Truffaut vio en secreto sus 200 primeras películas, saltándose las clases del colegio, como confesaría más tarde.

París, Francia.- Se han escrito casi tantos libros sobre Francois Truffaut como películas filmó el cineasta galo. Cofundador de la "Nouvelle vague", el autor de "Los cuatrocientos golpes" falleció prematuramente a los 52 años debido a un tumor cerebral. Treinta años después, el culto a Truffaut no deja de crecer.

Con motivo del aniversario, que se cumple mañana, Francia dedica numerosos ciclos de cine a este realizador, productor, actor y crítico, entre ellos una gran retrospectiva en la Cinemateca francesa. "Su muerte dejó un regusto amargo, un sentimiento de algo incompleto", señala su director, Serge Toubiana.

Y es que como afirma el experto, Truffaut murió demasiado joven y demasiado pronto. Por eso, hasta el 25 de enero la Cinemateca mostrará extractos de títulos emblemáticos como "Jules y Jim", "La noche americana" o "El último metro" junto con fotografías, guiones comentados y documentos privados propiedad de la familia. Todo ello para ilustrar una vida dedicada al cine, pues para Truffaut la pantalla no era sólo una huida de la realidad, sino también una terapia.

La filmografía de Truffaut muestra un caleidoscópico retrato. En "Los cuatrocientos golpes" creó una especie de alter ego con el protagonista, Antoine Doinel. Aquel drama de juventud sobre un adolescente humilde que tiene que sufrir a sus padres es también la historia de Truffaut: nació fuera del matrimonio el 6 de febrero de 1932 en París, se crió con su abuela y tuvo que pasar temporadas en centros de reeducación. Sus refugios fueron la literatura y el cine.

Truffaut vio en secreto sus 200 primeras películas, saltándose las clases del colegio, como confesaría más tarde. Como crítico de cine logró acceder al mundo del séptimo arte, el mismo que revolucionaría en 1954. Junto a Jean-Luc Godard y Claude Chabrol fundó la "Nouvelle vague", un movimiento que rompía con el cine comercial y el glamour de Hollywood mostrando predilección por un manejo poco convencional de la cámara, una nueva manera de entender el montaje y un estilo propio y personal.

La infancia, la juventud y su relación con las mujeres fueron sus difíciles temas personales. Y es que Truffaut rodaba películas para curar sus heridas. "Hago cine para hacer realidad mis sueños de juventud y para hacer el bien tanto a mí como a los demás", repetía en las entrevistas. Obras que, pese a toda la problemática que abordan, son de una sorprendente ligereza narrativa.

En las obras de Truffaut subyace un gran misterio, algo que aparece una y otra vez, decía hace unos días a la radio "France Inter" el director de la Cinemateca francesa. Un misterio que el realizador se llevó demasiado pronto a la tumba.

Por Sabine Glaubitz/DPA

Vanguardia
20/10
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People "No hay tantos buenos guiones" en Hollywood: Denzel Washington

Washington sabe cuándo ha nacido y los muchos espectadores que se han rendido a su magnetismo saben para qué.Por María Luz Climent Mascarell/DPA. Ahora, cuando está a punto de cumplir con los 60 se queda con la máxima de Bruce Lee: "Toma lo que funciona"."The Equalizer" seguramente no pasa por ser el mejor trabajo de Fuqua, sin embargo la interpretación de Washington mantiene al espectador enganchado.

Madrid, España.- No hay trampa ni cartón con Denzel Washington. En las distancias cortas, sin pantalla de por medio, desprende ese mismo magnetismo que cautivó a millones de espectadores cuando se metió en la piel de Malcom X y que ahora despliega en "The Equalizer", el thriller de acción que el viernes se estrena en España tras liderar la taquilla en Estados Unidos.

Washington da vida en esta cinta que inauguró hace casi un mes el Festival de San Sebastián a un hombre de apariencia corriente pero que en realidad puede ser una verdadera máquina de matar. Y es que ser lo que no aparenta, adueñarse de personajes hasta hacerlos únicos y conseguir transformarse en cada ocasión en alguien diferente es algo que se le da bien a este actor, que confiesa sin rubor que no ve nada de cine, de hecho, no ha pisado una sala en todo el año y, además, no le interesan las series de televisión.

"Nunca he sido un gran fan del cine", confiesa para estupor del grupo de periodistas que le están entrevistando. Lo único que ve en televisión son deportes, (el canal de noticias) CNN y canales temáticos de documentales de animales, agrega con una sonrisa tranquila.

Esta imagen sosegada encaja sólo con uno de los dos rostros que ofrece su personaje en "The Equalizer": el del empleado modélico de unos grandes almacenes del bricolaje que lleva una vida meticulosa y sin estridencias, que lucha contra el insomnio leyendo clásicos (como "Don Quijote de la Mancha") hasta que le dan una paliza a una prostituta rusa (Chloë Grace Moretz) con la que suele coincidir en un café. Su sentido de la justicia le hace retrotraerse a su oscuro pasado como agente de la CIA, una faceta que lo convierte en un asesino infalible con tan sólo un sacacorchos.

"A veces vamos al cine para escapar. Tal vez haya gente que vaya a ver la violencia, no lo sé, pero vamos para escapar, para alegrar a alguien o sentirnos bien", señala. El actor vuelve a trabajar en esta cinta a las órdenes de Antoine Fuqua, quien le hizo levantar su segundo Oscar en 2002 -aunque en esa ocasión como protagonista- por encarnar a un policía tan despreciable como corrupto en "Training Day".

A pesar de que la violencia se ha ido incorporando y transformando en parte del espectáculo cinematográfico, Washington no cree que tenga mayor trascendencia. Cuando se le pregunta por el atractivo de las escenas cargadas de agresiones, señala lacónico: "Yo vi a James Cagney y películas así (de gánsteres), pero no nunca salí a disparar a nadie".

Cuando echa la vista atrás, no recuerda cuando quiso ser actor, sólo que tomó clases y comenzó a actuar en el teatro y un agente le vio. Fue así, poco a poco, como se fue dando su carrera, primero en televisión y después ya sólo en cine hasta convertirse en uno de los actores que siempre ha figurado en la lista de astros de Hollywood más queridos.

Alejado de los escándalos y reacio a dejarse ver en las páginas de la prensa del corazón, el actor negro asegura que no tiene método alguno para escoger los personajes. "Todo comienza con la búsqueda de intentar hacer cosas diferentes", comenta.

"No pienso en lo que he hecho. No vivo en el pasado. Me gusta hacer diferentes cosas. Hice una obra de teatro en Broadway, ahora sale esta película. El año que viene haré un western y luego produciré algo de televisión", agrega.

Pero Washington sabe que el mundo en el que se desenvuelve es una industria. "Es difícil hacer determinadas películas en Hollywood. Los estudios se convierten en grandes corporaciones y tienen presiones para hacer dinero para los inversores y creo eso afecta al tipo de películas que eligen hacer, porque todos buscan el gran taquillazo y eso afecta probablemente a los actores", señala.

"Una de las películas más exitosas en las que he participado en los últimos años ha sido 'Flight', que es una producción pequeña pero tuvo gran éxito. Creo que hay espacio para todo, pero ante todo la cuestión es que no hay muchos buenos guiones, ese es el gran problema. No es que haya buenos guiones que no se hacen porque prefieren hacer un 'blockbuster'. Tal vez esta situación afecta sobre todo a los guionistas o lo que creen que tienen que escribir", explica.

Hay muchas formas de actuar y muchos métodos para encarnar a un personaje y a lo largo de los años, Washington asegura que los ha probado todos. Ahora, cuando está a punto de cumplir con los 60 se queda con la máxima de Bruce Lee: "Toma lo que funciona".

"The Equalizer" seguramente no pasa por ser el mejor trabajo de Fuqua, sin embargo la interpretación de Washington mantiene al espectador enganchado. Y es que, como dice la cita inicial de Mark Twain en la película: "Los dos momentos más importantes de la vida son cuando naces y cuando te das cuenta de por qué has nacido". Washington sabe cuándo ha nacido y los muchos espectadores que se han rendido a su magnetismo saben para qué.

Por María Luz Climent Mascarell/DPA

Vanguardia
19/10
3 Puntos

People "No hay día que pase sin que alguien me recuerde 'The Matrix'": Reeves

Los Ángeles, EU.- Keanu Reeves, una de las estrellas más grandes de Hollywood en la década de los noventa, trata de reafirmarse como artista cumplidos los 50 años y buscar nuevos retos, aunque una parte de su pasado le persiga constantemente."No hay día que pase sin que alguien me recuerde las películas de 'The Matrix'", dijo el intérprete en una entrevista con Efe.

Los Ángeles, EU.- Keanu Reeves, una de las estrellas más grandes de Hollywood en la década de los noventa, trata de reafirmarse como artista cumplidos los 50 años y buscar nuevos retos, aunque una parte de su pasado le persiga constantemente.

"No hay día que pase sin que alguien me recuerde las películas de 'The Matrix'", dijo el intérprete en una entrevista con Efe. "Para mí es una alegría encontrarme constantemente con personas por todo el mundo a las que esas películas les influyeron de forma positiva. Fue un honor formar parte de ellas; fueron de las mejores experiencias de mi vida. Son obras maravillosas", añadió.

La saga "The Matrix", dirigida por los hermanos Wachowski, recaudó más de 1,500 millones de dólares y catapultó a Reeves como estrella del género de acción, un campo en el que se venía moviendo como pez en el agua gracias a películas como "Point Break" (1991) o "Speed" (1994).

"No he hablado con los Wachowski acerca de volver a trabajar juntos, pero probablemente debería hacerlo", aseguró Reeves. "Son cineastas visionarios y hacen películas increíbles, así que me encantaría reunirnos", agregó.

Reeves, tras los decepcionantes resultados en taquilla de "47 Ronin" y "Man of Tai Chi" -su debut como director-, no deja la acción de lado y apuesta fuerte con "John Wick", una cinta con una premisa argumental mínima que, a cambio, propone una inmersión repleta de violencia y diversión en un mundo del hampa que funciona con una mitología y unas reglas propias.

"Me encantan los diálogos, el humor, la determinación y el dolor del protagonista", afirmó Reeves, cuyo personaje sufre la pérdida de su esposa por una larga enfermedad y, después, la del perro que le había dejado esta en sus últimos días de vida.

La muerte del animal a manos de una banda de mafiosos rusos provoca que el protagonista, un asesino a sueldo retirado, busque venganza. Y de qué manera, ya que Reeves, que se encargó de rodar casi todas las escenas sin dobles, siembra el terror y aniquila a 84 personas en la película, una cifra confirmada por el propio actor.

"Siempre trato de hacer todo lo que puedo en cuanto a la interpretación física. Lo disfruto, me encanta la acción. Eso ayuda a contar la historia del personaje y a que el público disfrute más. De esa forma, el espectador tiene la sensación de estar recorriendo el mismo camino que el protagonista", declaró.

"John Wick", de estreno el día 24, es la primera película que produce Eva Longoria y está dirigida por los debutantes David Leitch y Chad Stahelski, expertos en artes marciales y buenos amigos de Reeves desde que coincidieran en la saga de "The Matrix" como dobles de los protagonistas.

"Han apostado por rodar tomas más largas y hacer menos cortes. De esa manera, ves con mejor perspectiva y en su integridad las secuencias de peleas. La acción, así, explota delante del espectador", sostuvo Reeves.

Tanto le ha gustado la experiencia a Reeves que está trabajando con Leitch y Stahelski de nuevo para rodar una miniserie llamada "Rain", basada en los libros de Barry Eisler, sobre un criminal que se especializa en hacer pasar sus asesinatos como muertes naturales.

Reeves y la acción van unidos de la mano, y ni siquiera la edad le va a llevar a un cine más contemplativo.

"Cumplir los 50 no me supuso un gran cambio", manifestó. "No tengo una crisis de la mediana edad. Simplemente estoy feliz de estar aquí. Lo celebré con amigos y en familia, con una botella de vino. Los 40 fueron más difíciles. De hecho, fueron terribles. Me dio por pensar mucho en la muerte -confesó-. Ahora, disfruto con el aquí y el ahora".

Ese presente le llevará el próximo mes a rodar "Daughter of God", un thriller policiaco donde repetirá con la cubana Ana de Armas tras haber rodado juntos "Knock Knock", de Eli Roth.

"Ana es muy divertida. Es una actriz fantástica y una mujer muy dulce", finalizó Reeves

Por Antonio Martín Guirado/EFE

Vanguardia
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People “Ya no hay interés en el cine de arte”: Woody Allen - Grupo Milenio

Esta generación parece carecer de la paciencia que exigen las películas así. No creo que mis películas sean malas, es más, creo que algunas de ellas, no todas, son realmente buenas. No puedo quejarme hasta ahora, de ello. ¿Le importa cómo recibe el público sus películas. No es que menosprecie lo que he hecho, son películas que hice con amor, es solo que estoy siempre intentando hacer ese gran film. Y con el tiempo, descubrí que podía dirigir películas y empecé a hacerlas.

Es una leyenda viva del cine, pero tener ese estatus no lo hace cesar en su trabajo. En 45 años, Woody Allen (Brooklyn, Nueva York, 1935) ha filmado prácticamente una película por año, algunas de ellas consideradas obras maestras de la cinematografía. Ganador de un Oscar a mejor película y mejor director (por Annie Hall en 1977), tiene una filmografía rica en títulos notables.

Para un recuento mínimo: Manhattan, La rosa púrpura del Cairo, Alice, Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo (pero temía preguntar), Todos dicen te amo, Los enredos de Harry, Interiores, Match Point; Vicky, Christina, Barcelon; Hannah y sus hermanas, Broadway Danny Rose, El dormilón, Balas sobre Boradway, Misterioso asesinato en Manhattan, Medianoche en París y Blue Jasmine.

A ésta distinguida lista se suma su más reciente filme, Magia a la luz de la luna, donde dirige a Colin Firth y Emma Stone en una comedia sui géneris. El cineasta habla vía telefónica desde Nueva York para relatar aspectos de su carrera y de esta película.

 

Sus últimas películas han sido filmadas ya no en Nueva York sino en diferentes ciudades. Ahora parece tener un interés por explorar otros matices de la tragicomedia humana. ¿Diría que esto refleja un cambio en su percepción del mundo que lo rodea?

No lo sé, no lo había pensado, pero tal vez sea cierto. Siempre pienso que me gustaría que el mundo, o yo mismo, fuésemos distintos. De ahí surgen algunas ideas que luego se convierten en filmes. Así fue con Blue Jasmine, o ahora con Magia a la luz de la luna. Aunque, siendo honesto, muchas veces las películas que hago poco o nada tienen que ver conmigo o con cómo yo pueda ver el mundo.

 

¿El cine siempre fue una de sus pasiones?

Supongo que es una de ellas, sí. Cuando era niño solía ir a ver películas todo el tiempo. Dos, tres, cuatro y hasta cinco veces por semana, en cines de Brooklyn o Manhattan. Había mucha más oferta de cines. Existían locales que exhibían películas que no eran de estreno. Yo pagaba mi entrada y podía estar horas enteras. Veía a Humphrey Bogart, Cary Grant, Ingrid Bergman y Katharine Hepburn y me olvidaba del mundo, era espléndido poder hacer eso. Y con el tiempo, descubrí que podía dirigir películas y empecé a hacerlas. No sé hacer otra cosa. Bueno, tocar el clarinete, pero no se puede ganar uno la vida solo con eso.

 

¿Cuál de todas sus películas considera usted que es la que más satisfacción le ha dado?

Ninguna. No es que menosprecie lo que he hecho, son películas que hice con amor, es solo que estoy siempre intentando hacer ese gran film. Verás, soy realista. No creo que mis películas sean malas, es más, creo que algunas de ellas, no todas, son realmente buenas. Pero si se organizara un festival con películas como Rashomon, Ladrón de bicicletas y El ciudadano Kane, y me llamaran a ver si quiero mandar una película a ese festival, diría que no. Siento que aún no he hecho una película de la que podría estar orgulloso como para ponerla junto a Las reglas del juego o Bella de día. Esto no quiere decir que odie mis películas, porque no es así, es solo que no podría señalar alguna de ellas y decir de buenas a primeras, “Oh, sí, tal o tal, es una gran película”, porque no lo siento así. Y no es falsa modestia, créeme, solo soy objetivo conmigo mismo.

 

¿Va a ver sus películas al cine?

La verdad es que no. Una vez que están terminadas, no las veo, ¿para qué? Ya no me pertenecen, son del espectador que las hace suyas en una butaca. Yo paso de inmediato a pensar en otra cosa.

 

¿Siente que, salvo excepciones, el cine actualmente está hecho para un público menos pensante?

Cuando leo que la gente habla de la estupidización de Estados Unidos, tengo la impresión de que es un oxímoron: la generación actual es mucho más inteligente que la mía, de muchas maneras diferentes. Es decir, yo no fui a la universidad y no tenía al alcance de mi mano toda la tecnología y la oferta cultural que hay hoy en día.

 

No obstante, sí hay una diferencia en las películas que se hacen, ¿no cree?

Sí, eso es verdad. En mis tiempos, nos fascinaba la nouvelle vague, Truffaut, Polanski y Bergman, las películas de Fellini, de Antonioni y El año pasado en Marienbad y lo que hacía Mike Nichols. Esta generación parece carecer de la paciencia que exigen las películas así. Ni modo. Aunque algunos hacen sus propias películas con un lenguaje y un ritmo propios, y algunas de ellas emocionan también. No son muchas, pero las hay. Ahora, no sé por qué, pero ya no hay interés en el cine de arte. Supongo que es porque los jóvenes de hoy no ven con interés estas películas que menciono, no quieren conocer a los cineastas que te dije. Es una pena, y resulta en que no haya un equivalente en la actualidad a esa era en la que yo crecí.

 

Hablando de jóvenes, y al trabajar con Emma Stone, ¿cómo ve esa generación?

Emma es alguien fuera de serie. Está interesada en el cine y es una actriz seria. Le pedí que viera películas como Gritos y susurros, y ella lo hace de una manera profesional. Es una de las mejores actrices jóvenes que conozco.

 

¿Eso le dio la confianza de llamarla a protagonizar su película?

Emma es una profesional y ya había hecho varias películas que yo no había visto y seguramente no veré; no es que sean malas, pero estaban dirigidas a un público distinto y no me interesa ese tipo de cine. Pero un día, accidentalmente la vi en una de esas películas y pensé: “Vaya, esta chica es hermosa y una actriz interesante”. Y mira, resultó serlo.

 

¿Su trato con los actores ha cambiado con el paso de los años?

Sí. He aprendido a confiar más en el instinto de los actores y dejo que adapten escenas y diálogos para que se sientan cómodos. O que agreguen cosas. Antes me rehusaba a aceptar eso, pero ahora encuentro que si hay más libertad de improvisar les gusta y eso a mí me funciona mejor, porque se sienten relajados y eso ayuda. El director no es dios en su set. Me tomó tiempo entender eso y ahora disfruto incluso más el proceso.

 

Magia a la luz de la lunatiene un tema recurrente en su filmografía: la magia. ¿Por qué hay este elemento fantástico en sus obras a veces? ¿Cómo surgió esta idea?

Pues tendrá mucho qué ver con que fui mago aficionado de niño. Todo lo que tenía que ver con la magia me volvía loco, y también me fascinaba la noción de que Houdini fuera por la vida desacreditando a médiums y otros espiritistas falsos, que estafaban a la gente. Entonces, un día pensé que podría ser interesante contar la historia de una médium y un mago científico y que él se enamorara de este fraude. Eso daría lugar a una buena situación, una screwball comedy al estilo de las de Howard Hawks, ya sabes, La fiera de mi niña, con la Hepburn y Cary Grant. Opuestos que se atraen, enredos, y humor. Pensé en dos grandes actores Colin Firth, que es un actor brillante, y Emma, que es, como ya dije, fabulosa. Los puse frente a la cámara y dejé que ellos hicieran lo suyo, y lo pasamos muy bien en el sur de Francia, filmando. Fue un rodaje muy placentero.

 

Lleva 45 años filmando prácticamente sin parar. ¿Cómo lo hace?

Te decía, yo creo que es porque no sé hacer otra cosa. Acabo de filmar otra película, ahora en Newport, Rhode Island (nuevamente con Emma Stone, con Joaquin Phoenix). Es solo una cuestión de suerte poder dedicarme a esto, nada más. Es lo que me gusta hacer y nunca pensé que me dedicaría a ello. Es un misterio del Universo cómo acaba uno haciendo lo que hace.

 

¿Qué lo mantiene tan inspirado para seguir creando a este ritmo?

Que me gusta mucho mi trabajo. Me gusta escribir. Me gusta tratar con gente como Emma Stone y Colin Firth, o Scarlett Johansson o Naomi Watts o Ewan McGregor. Es una buena manera de ganarse la vida y espero seguir haciéndolo. No puedo quejarme hasta ahora, de ello.

 

¿Le importa cómo recibe el público sus películas? Es un director muy querido por mucha gente?

Sí. Te mentiría y sería un petulante si te dijera algo como “oh, no, no me importa”. Claro que me importa. Cuando hago una comedia y quiero que el público ría, me mortifica el hecho de descubrir en el último minuto que el guión no tiene gracia más que para mí. Cuando rodamos una escena en la que deberían reír y los actores no lo hacen, entonces la cambio, la recorto, o en el peor de los casos, la tiro a la basura, y vuelvo a empezar. Si quiero que el público se ría, los tengo que hacer reír. Que gocen con lo que ven. Si no, ¿para qué me dedico a esto?

Milenio
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People Allenígenos y clichés - Grupo Milenio

Respuesta: cuarenta y tantas películas, una vida privada turbulenta, fama de “intelectual” y dos o tres obras maestras. Claro, como ahora Allen tiene más arrugas que películas, ha decidido usar actores que lo interpreten (o mejor, que lo imiten). Magia a la luz de la luna no es una obra maestra sino más bien una comedia romántica dulzona en la que el director sigue en su “periodo turista”. Toda industria que se respete sabe mantener los niveles de calidad.

Pregunta: ¿qué tiene Woody Allen que hace que todo lo que pueda uno decir de él suene a lugar común? Respuesta: cuarenta y tantas películas, una vida privada turbulenta, fama de “intelectual” y dos o tres obras maestras. Magia a la luz de la luna no es una obra maestra sino más bien una comedia romántica dulzona en la que el director sigue en su “periodo turista”. Como se sabe, ha filmado en Londres, en París, en Roma, en Barcelona y ahora, en La Riviera Francesa. Sin duda el señor Allen tiene buen gusto para elegir los lugares en los que pasa sus vacaciones y además pasa las facturas a unos productores que, lejos de lo que pudiera creerse, se han enriquecido con esta marca registrada de nombre Woody Allen.

Si uno cree que porque ama el cine de Allen es “intelectual” tal vez debería reflexionar un poco. Es cierto que el neoyorquino tiene 10 o 20 películas muy inteligentes (visto el volumen de su filmografía, tampoco es tanto) pero también es cierto que tiene otras como esta Magia a la luz de la luna que resulta tan repetitiva con respecto a sus temas que uno confirma la sospecha de que lejos de ser un “autor”, Woody Allen es una industria.

Hace muchos años, Woody Allen dirigió una deliciosa comedia a la que llamó La rosa púrpura del Cairo. La chica se enamoraba de un personaje en la pantalla y se rompían los límites entre realidad y ficción. La moraleja era clara: “El cine es mejor que la realidad”. Y no es que Woody Allen haya imaginado por primera vez una conclusión tan sabia, pero en 1985 uno le daba el beneficio de la duda porque incluso pensaba: “Es un autor independiente”. Casi 30 años después y con la misma premisa no produce ni tanta risa ni tanta buena fe.

La película tiene sus cosas buenas, claro. Toda industria que se respete sabe mantener los niveles de calidad. La historia va de un inglés que se ha dado a la tarea de desenmascarar a cierta médium adorable con la que, como es de prever, vivirá su historia de amor. La calidad está en la recreación de los escenarios, en la fotografía que parece una tarjeta postal y, claro, en el mensaje que es una tarjeta postal: “No existe el más allá, no existe Dios, pero existe el amor”. ¡Ah! Suspiran las generaciones que todavía creen que un cliché de semejante tamaño vale la pena de ser desarrollado durante poco menos de dos horas. “La magia del amor”.

Hay calidad también en las actuaciones y aquí vale la pena darle todo el crédito a Colin Firth. Y es que en eso que para los allenígenos es la magia de la repetición woodyallenesca, una característica infaltable en este cine es el autorretrato del maestro. Claro, como ahora Allen tiene más arrugas que películas, ha decidido usar actores que lo interpreten (o mejor, que lo imiten). Firth no. Y a pesar de que el guión está escrito para que todo allenígena vea en Colin Firth a Woody Allen, el hombre sabe dar al sesudo neurótico un carácter personal: el carácter de un hombre enamorado de esta extraña mujer en una de esas películas que, más que intelectual, resulta digna de una función dominical.

Magia a la luz de la Luna (Magic in the Moonlight). Dirección y Guión: Woody Allen. Fotografía: Darius Khondji. Con Colin Firth, Emma Stone, Marcia Gay Harden. Estados Unidos, 2014.

@fernandovzamora

Milenio
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Arts Muestra de cine negro hecho en México

Morelia, Mich. El cine negro o policiaco hecho en México es un género poco estudiado y casi desconocido por el público; para que la gente lo aprecie mejor mañana será inaugurada la exposición “Noir Mex”, en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia.

La exposición que incluye la exhibición de siete filmes de cuatro directores, está integrada por casi 70 fotografías de 80 por 120 centímetros y la reproducción de carteles de 80 por 200 centímetros de películas del género negro.

Se trata de una colaboración entre la Fundación Televisa y el Festival de Cine de Morelia. El tema desarrollado fue sugerido por la directora del FIC, Daniela Michel, explicó Mauricio Maillé, director de Artes Visuales de la fundación.

En entrevista con Notimex, Maillé detalló que la exposición fue montada en la Plaza de Armas de Morelia, espacio público ideal para que la gente conozca el género negro o policiaco desarrollado durante la Época de Oro del Cine Mexicano.

Además, resaltó, para la fundación es una buena oportunidad de revisar sus archivos sobre el cine mexicano, que contienen cientos de miles de documentos e imágenes.

Precisó que las fotografías exhibidas tienen como característica que fueron tomadas en forma horizontal, porque era lo usual en la época para promover las películas.

Destacó que el crítico de cine, Rafael Aviña, desarrolló un texto introductorio para la exhibición sobre el cine negro mexicano, del cual se realizó una síntesis que permite al público conocer y acercarse a este género.

Resaltó el caso del director de cine Roberto Gavaldón, quien desarrolló este género en nuestro país, con películas de muy buena factura, ámbito en el que también se desenvolvieron Juan Orol, Julio Bracho o Alejandro Galindo, y por ello es necesario continuar los estudios.

La exposición pone en contexto el género negro desarrollado “a la mexicana”, en el que colaboraron reconocidos actores, directores, cinefotógrafos y fotógrafos, uno de ellos fue Manuel Álvarez Bravo.

El campo fue el espacio en el que el cine mexicano desarrolló sus temas, en el que se formaron los valores patrios, mientras que la ciudad fue plasmada como el lugar de los contrastes, la idea del progreso, los territorios del hampa y de la degradación moral, apuntó Maillé.

La exposición permanecerá abierta hasta el 7 de noviembre, se piensa que después desarrolle una gira por el país junto con las películas que se proyectan.

La Jornada
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People Vive Keanu Reeves bajo la sombre de ‘The Matrix’ - Grupo Milenio

Es una actriz fantástica y una mujer muy dulce", finalizó Reeves. Keanu Reeves, una de las estrellas más grandes de Hollywood en la década de los 90, trata de reafirmarse como artista cumplidos los 50 años y buscar nuevos retos, aunque una parte de su pasado le persiga constantemente."No hay día que pase sin que alguien me recuerde las películas de 'The Matrix'", dijo el intérprete en una entrevista. Eso ayuda a contar la historia del personaje y a que el público disfrute más.

Keanu Reeves, una de las estrellas más grandes de Hollywood en la década de los 90, trata de reafirmarse como artista cumplidos los 50 años y buscar nuevos retos, aunque una parte de su pasado le persiga constantemente.

"No hay día que pase sin que alguien me recuerde las películas de 'The Matrix'", dijo el intérprete en una entrevista. "Para mí es una alegría encontrarme constantemente con personas por todo el mundo a las que esas películas les influyeron de forma positiva".

Fue un honor formar parte de ellas; fueron de las mejores experiencias de mi vida. Son obras maravillosas", añadió.

La saga 'The Matrix', dirigida por los hermanos Wachowski, recaudó más de mil 500 millones de dólares y catapultó a Reeves como estrella del género de acción, un campo en el que se venía moviendo como pez en el agua gracias a películas como 'Point Break' (1991) o 'Speed' (1994).

"No he hablado con los Wachowski acerca de volver a trabajar juntos, pero probablemente debería hacerlo", aseguró Reeves. "Son cineastas visionarios y hacen películas increíbles, así que me encantaría reunirnos", agregó.

Reeves, tras los decepcionantes resultados en taquilla de '47 Ronin' y 'Man of Tai Chi' -su debut como director-, no deja la acción de lado y apuesta fuerte con 'John Wick', una cinta con una premisa argumental mínima que, a cambio, propone una inmersión repleta de violencia y diversión en un mundo del hampa que funciona con una mitología y unas reglas propias.

"Me encantan los diálogos, el humor, la determinación y el dolor del protagonista", afirmó Reeves, cuyo personaje sufre la pérdida de su esposa por una larga enfermedad y, después, la del perro que le había dejado esta en sus últimos días de vida.

La muerte del animal a manos de una banda de mafiosos rusos provoca que el protagonista, un asesino a sueldo retirado, busque venganza. Y de qué manera, ya que Reeves, que se encargó de rodar casi todas las escenas sin dobles, siembra el terror y aniquila a 84 personas en la película, una cifra confirmada por el propio actor.

"Siempre trato de hacer todo lo que puedo en cuanto a la interpretación física. Lo disfruto, me encanta la acción. Eso ayuda a contar la historia del personaje y a que el público disfrute más. De esa forma, el espectador tiene la sensación de estar recorriendo el mismo camino que el protagonista", declaró.

'John Wick', que estrenará el día 24, es la primera película que produce Eva Longoria y está dirigida por los debutantes David Leitch y Chad Stahelski, expertos en artes marciales y buenos amigos de Reeves desde que coincidieran en la saga de 'The Matrix' como dobles de los protagonistas.

"Han apostado por rodar tomas más largas y hacer menos cortes. De esa manera, ves con mejor perspectiva y en su integridad las secuencias de peleas. La acción, así, explota delante del espectador", sostuvo Reeves.

Tanto le ha gustado la experiencia a Reeves que está trabajando con Leitch y Stahelski de nuevo para rodar una miniserie llamada "Rain", basada en los libros de Barry Eisler, sobre un criminal que se especializa en hacer pasar sus asesinatos como muertes naturales.

Reeves y la acción van unidos de la mano, y ni siquiera la edad le va a llevar a un cine más contemplativo.

"Cumplir los 50 no me supuso un gran cambio", manifestó. "No tengo una crisis de la mediana edad. Simplemente estoy feliz de estar aquí. Lo celebré con amigos y en familia, con una botella de vino. Los 40 fueron más difíciles. De hecho, fueron terribles. Me dio por pensar mucho en la muerte -confesó-. Ahora, disfruto con el aquí y el ahora".

Ese presente le llevará el próximo mes a rodar 'Daughter of God', un thriller policiaco donde repetirá con la cubana Ana de Armas tras haber rodado juntos "Knock Knock", de Eli Roth.

"Ana es muy divertida. Es una actriz fantástica y una mujer muy dulce", finalizó Reeves.

Milenio
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